AUSSTELLUNGEN – INSELGALERIE Berlin https://www.inselgalerie-berlin.de Thu, 21 May 2026 13:53:36 +0000 de hourly 1 https://wordpress.org/?v=7.0 297. Ausstellung | Σ 5 x (farbe + licht + raum) = 297 https://www.inselgalerie-berlin.de/297-farbelichtraum/ Tue, 07 Apr 2026 16:35:14 +0000 https://www.inselgalerie-berlin.de/?p=36189

7.4.–16.5.2026  |  VERNISSAGE 2. April 2026, Donnerstag, 19–22 Uhr
Der Klangkünstler und Komponist THOMAS GERWIN verstrickt Mensch und Objekt in einen perkussiven Dialog.

MIDISSAGE 21. April, Dienstag, 19 Uhr | Das Subnetz als Modell für Leben und Kunst
Der Entertainer und Kulturwissenschaftler STEFFEN SCHORTIE SCHEUMANN räsoniert essayistisch und mit vollem Körpereinsatz .

FINISSAGE 16. Mai, Samstag, 14–16 Uhr

INA ABUSCHENKO-MATWEJEWA | ANGELIKA DIERKES | BETINA KUNTZSCH
ANTJE TAUBERT | ELGIN WILLIGERODT

1969             geboren in Bernau b. Berlin, lebt und arbeitet in Eberswalde.
1988            Studium Germanistik/Kunstwissenschaft/Pädagogik an der Humboldt-Universität zu Berlin.
1991–1996   Studium Malerei/Grafik an der Hochschule für Bildende Künste Dresden.
1999–2001   Studium Künstlerweiterbildung, Fakultät Bildende Kunst, Institut für Kunst im Kontext, Universität der Künste Berlin (heute Universität der Künste).

Arbeitet als Kunst- und Bewegungstherapeutin in der Forensischen Psychiatrie der Martin Gropius Krankenhaus GmbH in Eberswalde.

Ina Abuschenko-Matwejewa arbeitet mit und auf Papier. Sie hat der Konkreten Kunst eine poetisch-sinnliche Komponente hinzugefügt, indem sie mit einer durch das Ausgangsmaterial evozierten Behutsamkeit reale und geistige Räume durchschreitet und sich dabei zwischen Installationen, Formen der Abstraktion, Monochromie und Konzeptkunst bewegt. Genau diese Bewegung ist das Reizvolle an ihrer Arbeit.

Kathleen Krenzlin, Galerie Parterre Berlin

Geboren in Dalhausen, Kreis Höxter.
2018–2023 Akademie für Malerei Berlin, Absolventin und Meisterschülerin von Ute Wöllmann.
2017             Gründungsmitglied der Atelierhausgenossenschaft Berlin e. G.
Lebt und arbeitet in Berlin.

Mich interessiert der Prozess, aus Farben, Formen, Linien und leeren Flächen spannungsvolle Bildstrukturen zu schaffen. In diesem Feld von Möglichkeiten bedingen sich verdichtete Strukturen, Reduktion und Leere gegenseitig. Fläche und Raum, Transparenz und Kontrast, Organisches und Geometrisches stehen dabei in einem dialogischen Verhältnis. Ich arbeite zwischen Intuition und Entscheidung, zwischen geschehen lassen und präziser Setzung. So entsteht ein Bildraum, in dem Kalkül und Offenheit gleichermaßen wirksam bleiben.

Betina Kuntzsch (*1963) studierte Buchgestaltung an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig und machte 1988 ihr Diplom mit einer Videoarbeit. Seit 1988 ist sie als Videokünstlerin und Filmemacherin in Ausstellungen und auf Festivals weltweit vertreten.
Betina Kuntzsch lebt und arbeitet in Berlin.

Als bildende Künstlerin und Filmemacherin in Personalunion experimentiert Betina Kuntzsch mit dokumentarischer und künstlerischer Fotografie, mit druckgrafischen Verfahren von der traditionellen Kallitypie bis zu Heliogravüre und C-Print, und mit Videokunst. Für letztere entwickelte sie das Genre der Video-Zeichnung mit animierten Linienwanderungen in Echtzeit. …
Abstraktes und Gegenständliches finden zusammen, grafisch Strukturiertes und zeichnerisch Skripturales ebenso wie Ordnung und Chaos. …
Dabei gelingt es Betina Kuntzsch …, einen Bogen über die Zeit und die Zeitläufte zu spannen – … mit Transformationen von Laterna-Magica-Streifen oder von Foto- und Filmfundstücken zu animierten, dokumentarischen Kurzfilmen.

Michaela Nolte, 2021 (gekürzt, leicht bearbeitet)

*1969 in Berlin
1986–1989 Ausbildung Betonwerker mit Abitur, VEB Wohnungsbaukombinat Berlin
1993–1995 Ausbildung Drucktechnik / Offsetdruck, bfw Berlin
1995–2001 Studium Freie Kunst / Malerei, Kunsthochschule Berlin-Weißensee (KHB) bei Hanns Schimansky und Werner Liebmann
2001–2003 Meisterschülerstudium, Kunsthochschule Berlin-Weissensee (KHB) bei Hanns Schimansky
Lebt und arbeitet in Berlin.

Die Abstraktionsebene der Bilder von Antje Taubert lässt Assoziationen biophysikalischer Muster zu. Durch Linien-, Farb- und Formensprache wird durch die Durchbrechung strenger scheinbarer Periodizität ein Übergang weg von kristalliner, entropiegesteuerter Anordnung toter Materie hin zum Bruch des Entropiesatzes lebender Materie erschaffen/dargestellt. Besonders ist allerdings, dass sich diese Darstellung nicht aus einer Planung, sondern aus der reinen kreativen Arbeit ergibt.
Pathetisch, aber nicht weniger zutreffend gesprochen, ist dies eine sozusagen in der Künstlerin wohnende Sensitivität für Übereinstimmungen mit dem großen Bauplan der Natur. Prinzipien, die in aller lebenden Materie innewohnen.

Karl-Michael Schmidt, Physiker, 2025

1969               geboren in Berlin. Lebt und arbeitet in Berlin.
1990–1996   Kunststudium an der École des Arts Décoratifs de Strasbourg (heute: Haute École des arts du Rhin), Frankreich, Diplom der Fachgruppe Objekt, Atelier Metallplastik.
1993–1994   Gaststudienjahr an der Hochschule für Bildende Künste Dresden, Porträtplastik.
2001–2004   Studium Künstlerweiterbildung, Fakultät Bildende Kunst, Institut für Kunst im Kontext, Universität der Künste Berlin.

Elgin Willigerodt folgt als Bildhauerin einem minimalistisch-konstruktiven Ansatz. Sie fertigt farbig gefasste Gebilde aus hölzernen oder metallischen Stangen, Latten und Stäben. Diese Konstruktionen in geometrischen Grundformen akzentuieren die Räume als transparente Figurationen – sie sind im wahrsten Sinne des Wortes durchschaubar.
Die durchweg asymmetrischen Konstrukte greifen, mit stumpfen oder spitzen und wenigen rechten Winkeln, in den Raum. Sie konturieren und öffnen ihn zugleich. Beim Umschreiten beginnen sich die Streben zu drehen, verschränken und zu überlagern zu andersartigen Ansichten – der Betrachter erlebt die Illusion einer spielerischen, fast filmischen Bewegung der feingliedrigen Bauten. Die Schatten auf den Wänden, bei Acrylglas-Metallplastiken mithin farbig, erweitern den räumlichen Wirkungskreis der Objekte.

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Σ 5 x (farbe + licht + raum) = 297

Sounddesign © Kai Bluhme_Music 

Dienstag – Freitag  | 14 – 19 Uhr
Sonnabend  | 13 – 17 Uhr
Sonntag, Montag und an Feiertagen geschlossen
(für einige Veranstaltungen und Ausstellungen gelten Sonderregelungen)

]]> 298. AUSSTELLUNG | FRESH LEGS 2026 | VERNISSAGE AM 4.6. Donnerstag 19 Uhr https://www.inselgalerie-berlin.de/298-ausstellung-fresh-legs-2026/ Mon, 06 Apr 2026 15:17:37 +0000 https://www.inselgalerie-berlin.de/?p=36431

5.6.2026 – 25.7.2026  |  Vernissage: 4.6.2026, Donnerstag, 19 – 22 Uhr  |
Finissage: 25.7.2026, Samstag, 14 – 16 Uhr

International Exhibition FRESH LEGS BERLIN 2026
Eröffnung Galleri Heike Arndt DK: Mittwoch 3. Juni 19.00 – 22.00 Uhr
Ausstellung vom 4.6. – 27.9. 2026
Eröffnung INSELGALERIE BERLIN: Donnerstag 4. Juni 19.00 – 22.00 Uhr
Ausstellung vom 5.6. – 25.7.2026
69 Künstler*innen | aus 23 Ländern | 2 Galerien

Austellungsraum in der Inselgalerie
Galleri Heike Arndt DK

Galleri Heike Arndt DK und die INSELGALERIE BERLIN präsentieren stolz den jährlichen Open Call Fresh Legs Berlin 2026, der eine große Bandbreite an Kunstwerken zeigt. Auch in diesem Jahr bringen wir Ihnen erneut eine besondere Ausgabe der Ausstellung in Zusammenarbeit mit der INSELGALERIE BERLIN. Diese Partnerschaft ermöglicht es, eine noch größere Vielfalt an Künstlerinnen und Künstlern zu präsentieren.
In beiden Galerien werden sorgfältig ausgewählte Künstler*innen ihre Perspektiven auf aktuelle gesellschaftliche Herausforderungen zum Ausdruck bringen und Fragen zu unserer Menschlichkeit aufwerfen. Jede Besucherin und jeder Besucher kann in dieser Vielfalt künstlerischer Ausdrucksformen etwas persönlich Fesselndes entdecken. Neben Raum für Reflexion und Inspiration hoffen wir das die Werke berühren und beim Betrachter auch Überraschung und Nachdenklichkeit hervorrufen.

Angela Zumpe (DE), Anja Klafki (DE), Anna Bieler (DE), Anna Ditscherlein (DE), Anna Kasten (DE), Anna Koynova (RU), Barbara Hubert (PL), Catrin Wechler (DE), Christine Falk (DE), Constanze Krischer (DE), Cornelia Es Said (DE), Dagmar Gester (DE), Daniela LUCATO (DE), Daria Lavrova (NL), Dorothee Lützel-Walz (DE), Elizabeth Lindner (MK), Elvira Flamm (DE), Guadalupe Luceño Martinez (ES), Hannah van Ginkel (DE), Heike Berl (DE), Helen Shulkin (DE), HUSS WEISE (DE), Ingrid Schmechel (DE), Jamie Munhowen (LU), Jiayi Li (CN), Julia Breit (DE), Kitman Yeung (DE), Line Marsdal (NO), Magdalena Rakowska (PL), Maria Adamska-Jarecka (CA), Miriam Schmidtke (DE), Natasha Marzliak (HR), Nursun Hafızoğlu (TR), Regina Damian (RU), Sandra Gutierrez Moral (ES), Shivika Kumar (IN), Susanne Zinser (DE), Teodora Micic (RS), Tíra Kerék (HU), Uliana Blyudina (FI-RU), Vincent Heppner (DE), Wai Kit Lam (UK), Yu Chun Lo (TW), Yulia Ani (RU)

Andrea Streit (DE), Casey McKee (US), Piotr Zaczek (PL),   Piro (IT), Trevor Burgess (UK),  Oliver Ferch (DE),        Clement Loisel (DE), Joe O’Brien (IE), Lonni Wong (DE), Svetlana Ermolina (RU), Susanna Storch (DE), Pepita Glück (ES), Marina Skepner (DE), Anna Setola (IT), Alex Russell (UK), Rita Quattrocchi (IT), Franziska Hofmann (DE), Pinelopi Vasilaki (GR), Philipp Eichhorn (DE), Antonella Nicoli (IT), Tatiana Platonova (RU), Fabio Valerio Tibollo (IT), Romaric CHACHAY (FR), Selina Maren Meiers (DE), Matthias Lehmann (DE)

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Hier finden Sie den kürzesten Weg von der INSELGALERIE zur Galleri Heike Arndt DK in die Voigtstraße 12

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Dienstag – Freitag  | 14 – 19 Uhr
Sonnabend  | 13 – 17 Uhr
Sonntag, Montag und an Feiertagen geschlossen
(für einige Veranstaltungen und Ausstellungen gelten Sonderregelungen)

]]> 296. Ausstellung | PRIVACY FILM – MARIELLA MOSLER & ALUMNAE https://www.inselgalerie-berlin.de/296-ausstellung-privacy-film/ Sun, 01 Feb 2026 14:54:49 +0000 https://www.inselgalerie-berlin.de/?p=35944

6.2.-21.3.2026  |  Vernissage: 5.2.2026, Donnerstag, 19 – 22 Uhr  |
Finissage: 21.03.2026, Samstag, 14 – 16 Uhr

MARIELLA MOSLER | AEREE SUL | YAMO AYDEMIR

Alumnae und Studentinnen der Klasse Mosler sind von der Insel-Galerie in Berlin ab Februar zu einer sechswöchigen Ausstellung eingeladen worden.
Die Insel Galerie hat es sich zur Aufgabe gemacht, die Sichtbarkeit von KünstlerInnen im Ausstellungsbetrieb zu fördern und wird für dieses Programm auch vom Berliner Senat gefördert.
Die Studierenden unter kuratorischer Mitarbeit von Mariella Mosler haben ein Raumkonzept erarbeitet, welches bereits zur Sommerausstellung an der Akademie einem Testlauf unterzogen und wegen seiner konzeptuellen Stärke und visuellen Überzeugungskraft mit dem Klassenpreis der Akademie prämiert wurde.

PRIVACY FILM
Die Räume der Galerie sind in vollkommene Dunkelheit, in einen fast sakralen Dämmer gehüllt, vereinzelt leuchten Zonen, helle Inseln aus dem Dunkel auf, die sich beim Nähertreten als Skulpturen und Assemblagen erweisen. Farbige Bewegt-Bilder, im Raum schwebend und an die Wände projiziert, erzählen von urbanen Räumen und menschlichen Interaktionen, von Erinnerungen und Wünschen, von Bewegungen durch Landschaft und Natur.
Der Ausstellungstitel bezieht sich auf das Material, welches die Fenster der Galerie bedeckt: „Opaque Black Privacy Film“ ist eine Dunkelfolie, die nicht nur den Außenraum fast komplett ausblendet und eindringende Blicke abwehrt, sondern auch den Innenraum in Dunkelheit hüllt und kein Sonnen- oder Tageslicht eindringen lässt.
Diese radikale Abschottung verwandelt den Raum in eine Höhle oder Black Box, in ein Paralleluniversum, in dem die Parameter von Zeit und Raum aufgehoben sind, vergleichbar mit den irrationalen Gesetzen der Träume in der Nacht. Die Wahrnehmung verschiebt sich von der visuellen zu einer intuitiven und akustischen Ebene.
Der Spannungsbogen der Werke bewegt sich von der Betonung des Intimen und Privaten in einem Rückzugsort, bis zur Abgrenzung zum Sozialen und zum öffentlichen Raum, vom „Schlaf der Vernunft“ einerseits, der bei Goya Monstren gebiert und von der Nacht und dem Traum als einem Zufluchtsort für Utopien und Sehnsüchte.

geb. in Oldenburg.
1985−1992 HfBK Hamburg bei Stanley Brouwn, Philosophiestudium an der Universität Hamburg.
1991 Kunstpreis Ökologie, Köln,
1993 Stipendium der Stadt Hamburg,
1994 Stipendium der Akademie Schloss Solitude,
1995 Stipendium in Nantes, Frankreich,
1996 Kunstfond, Bonn,
1997 Stipendium Japan Neue Kunst In Hamburg e. V.,
1998–2000 HSP-II 3 Förderung des Hamburger Senats,
1999 Stipendium Schloss Bleckede, Niedersachsen
Professorin an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart

Der Entstehungsprozess meiner großformatigen Raumarbeiten ist ebenso wichtig wie ihr architektonischer Bezug: Der sichtbare Zeitaufwand provoziert oft Reaktionen zur „Verschwendung von Zeit“ und konfrontiert damit die Logik des „kulturellen Kapitals“. Meine ephemeren Arbeiten sind fragil und benötigen geschützte Räume, um zu existieren – sie werden so zur Metapher für die widersprüchliche Position der Kunst in kapitalistischen Gesellschaften. Die Werke hinterfragen unser Verständnis von Zeit, Arbeit und Erinnerung – der Wert der investierten Arbeitszeit lässt sich nicht in Geld umrechnen. Erst die scheinbare Vergeudung erzeugt einen Mehrwert oder künstlerischen Gewinn.

2025 Diplom Bildende Kunst bei Prof. Mariella Mosler und Simone Fezer
2018–2025 Studium der Bildenden Kunst, Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart
Grundklasse Prof. Andreas Opiolka, Fachklasse Prof. Mariella Mosler
2012 B.F.A. in Korean Painting, Ewha Womans University, Seoul, Südkorea

Ich glaube an Veränderungen, die aus kleinen Schritten entstehen. Ich konzentriere mich auf das, was sich im Kleinen verschieben lässt, weil sich solche Schritte ohne Erschöpfung fortsetzen und schließlich als Gewohnheiten einprägen. In meiner Arbeit interessieren mich diese leisen Verschiebungen, die unsere Art zu leben langfristig verändern können.

2019–2026 Diplom Bildende Kunst, Fachklasse für Bildhauerei & Keramik (Raumbezogene Formprozesse) Prof. in Mariella Mosler, Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart
2022–2026 Diplom Bildende Kunst, Fachklasse für Fotografie Prof. in Ricarda Roggan, Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart
2025–2026 Diplom Bildende Kunst, Fachklasse für Bildhauerei Prof. in Sofia Hultén, Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart
2023 Okt.–Dez. Regie Hospitanz Berliner Ensemble (WORX) bei Alireza Daryanavard
2019–2020 Diplom Bildende Kunst Grundklasse Prof. Rolf Bier, Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart

In ihrer künstlerischen Praxis beschäftigt sich Yamo Aydemir mit Prozessen von Erinnerung, Identität und kultureller Verortung. Durch die Verbindung von autobiografischem Material, dokumentarischen Elementen und inszenierten Räumen untersucht sie, wie individuelle und kollektive Narrative sich formen, verschieben oder auflösen. Ihre Arbeiten zeichnen sich durch eine reduzierte Bildsprache aus, die Mehrdeutigkeit zulässt und Betrachtende zur stillen Reflexion einlädt.

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PRIVACY FILM | MARIELLA MOSLER & ALUMNALE

Dienstag – Freitag  | 14 – 19 Uhr
Sonnabend  | 13 – 17 Uhr
Sonntag, Montag und an Feiertagen geschlossen
(für einige Veranstaltungen und Ausstellungen gelten Sonderregelungen)

]]> 1995–2025 | 30 JAHRE INSELGALERIE Berlin | Ein Überblick über unsere Ausstellungen im Jubiläumsjahr 2025 https://www.inselgalerie-berlin.de/30-jahre-inselgalerie-berlin/ Sat, 06 Dec 2025 14:04:09 +0000 https://www.inselgalerie-berlin.de/?p=34390

 30 Jahre INSELGALERIE Berlin

1995 – 2025 ➯ 30 Jahre Galerie für Bildende Künstlerinnen

Ein Überblick über unsere Ausstellungen im Jubiläumsjahr 2025

]]> 295. Ausstellung | NEXT LEVEL SH*T | LEVEL 295 https://www.inselgalerie-berlin.de/295-ausstellung-next-level-sht-2/ Fri, 05 Dec 2025 17:39:01 +0000 https://www.inselgalerie-berlin.de/?p=35846

5.12.2025-24.1.2026  |  Vernissage: 4.12.2025, Donnerstag, 19 – 22 Uhr  |
Finissage: 24.1.2026, Samstag, 14 – 16 Uhr

SWAANTJE GÜNTZEL | MAJA ROHWETTER | ANN SCHOMBURG | MIRIAM SMIDT
Leihgaben aus der NFT-Sammlung von Kika Nicolela:
Estelle Flores und littlecakes
kuratiert von KIM DOTTY HACHMANN und MIRIAM SMIDT

2025 ➯ 30 Jahre Galerie für Bildende Künstlerinnen | ein Überblick über die Ausstellungen 2025

geb. 1972 in Soest, lebt und arbeitet in Hamburg

Swaantje Güntzel absolvierte nach einem Alt-Amerikanistik-Studium an der Universität Bonn ein Aufbaustudium Freie Kunst an der Hochschule für bildende Künste (HfbK) Hamburg. Sie beschäftigt sich seit über 20 Jahren mit der radikalen Veränderung der Landschaft durch menschlichen Einfluss und den globalen Herausforderungen die sich durch anthropogenen Klimawandel, Plastik in den Ozeanen, Artensterben und den daraus resultierenden psychologischen Folgen für die Menschheit ergibt, oft in Kollaboration mit der Wissenschaft. Während eines Fellowships 2023/24 am Forschungsinstitut für Nachhaltigkeit (RIFS) am GFZ Potsdam arbeitete Güntzel über die Darstellung und Wahrnehmung der Arktis in Bildern wobei sie einen Bogen von historischen Darstellungen bis hin zur der Repräsentation der Arktis in der Popkultur schlug. Neben der Beschäftigung mit stereotypen Abbildungen der Region in Bilddatenbanken stellte die Untersuchung von KI-generierten Bildern zur Arktis einen wichtigen Schwerpunkt in ihrer künstlerischen Forschung dar. Swaantje Güntzel bewegt sich konzeptuell in unterschiedlichen Medien wie Performance, Objekt, Installation, Fotografie und Video und verwendet immer wieder populäre Basteltechniken, wie Malen-nach-Zahlen, Stickerei oder Diamond Painting in ihren Werken.

1970  in Bünde/Westfalen geboren, lebt in Berlin
1990  Studium Bildende Kunst, Romanistik und Philosophie, Universität Osnabrück
1993  HdK Berlin, Studium Großfach Bildende Kunst
1997  Royal College of fine Arts, Stockholm 1998,  Meisterschüler HdK Berlin
2000  Staatsexamen Großfach Bildende Kunst
2003  zweites Staatsexamen Großfach Bildende Kunst
seither freiberufliche künstlerische Tätigkeit und Lehrtätigkeit in Mediendesign und Medientheorie

seither freiberufliche künstlerische Tätigkeit und Lehrtätigkeit in Mediendesign und MedientheorieIn der Ausstellung verschmilzt Maja Rohwetter klassische Bildverfahren wie Ölmalerei und Collage mit zeitgenössischen Immersions- und Interaktionstechnologien und trägt Malerei in den virtuellen Raum.
Die Technologie AR/VR impliziert in diesem Prozess, der Malerei in die Zukunft denkt, einerseits bestimmte Grenzen der Machbarkeit in der visuellen Umsetzung, andererseits entstehen durch die Auseinandersetzung mit dem technischen Prozess ihrer Virtualisierung und die Interaktion mit den virtuellen Bildfragmenten in der jeweiligen physischen Umgebung zukünftige analoge Bildkonzepte und visuelle Fragestellungen, die auf subtile Weise Aspekte der visuellen Ontologie, der erweiterten Wahrnehmung und der instabilen Realitäten ansprechen.

Performance- und Medienkünstlerin, lebt und arbeitet in Berlin

Ich arbeite in einer Grauzone zwischen Leben = Performance, Installation und sozialer Praxis. Ausgangspunkt sind Infrastrukturen der Intimität: Wie prägen Plattformen, Algorithmen und Ökonomien unsere Beziehungen, unsere Sichtbarkeit und unsere Begehrlichkeiten? Eine Situation muss für mich durchlebt sein, damit sie meine künstlerische Arbeit tragen kann. Aus dem Material entstehen situative Setzungen – temporäre Institutionen wie Labore, Castings, mobile Studios oder hybride Ausstellungsräume. 
Gerne lade ich “mehr‑als‑menschliche Akteur*innen ein” (z. B. Tiere) nicht als Requisiten, sondern als Co‑Präsenzen, die Blickordnungen verschieben. Wichtig ist mir hier aber, dass ihre Bedürfnisse berücksichtigt werden, gerade wenn keine Einvernehmlichkeit kommuniziert werden kann.
Für mich sind Consent, Care und Zugänglichkeit meine wichtigsten künstlerischen Parameter. Es geht mir nicht um Abbild, sondern um Handlungsentwürfe: kollektive Protokolle, die Normen sanft verschieben und andere Formen von Zugehörigkeit erproben. „Life imitates art“ ist mein O ton der mich und meine Arbeiten durch die Produktion treibt: Kunst ist meine Utopie für gesellschaftliche Wirklichkeit.

Miriam Smidt untersucht in Malerei, Objekt, Installation und digitalen Medien die Schnittstellen von Vergänglichkeit, Wandel, Heilung, Transformation: Leben und Tod und der Zeit dazwischen.
Ihre Werke verbinden experimentelle Materialforschung mit narrativer zugleich abstrakter Bildsprache, und erzählen von Lebendigkeit, Verfall und Neuanfängen.
Smidt leitet das ArtWerk Berlin, einen Raum für Workshops und unabhängige Ausstellungsformate, kuratiert Ausstellungsreihen, und ist mit ihrem Werk international vertreten.

Meine Arbeit erforscht Übergänge und Spannungsfelder zwischen Leben und Tod, Veränderung und Verfall. Mein Schaffen entfaltet sich in prozesshaften, experimentellen Versuchsreihen. Mich fasziniert das Unorthodoxe und Neue: Ungewöhnliche Medien wie auch neueste Technologien eröffnen fluide Räume, in denen Transformation spürbar wird und Grenzen sich auflösen.

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NEXT LEVEL SH*T | LEVEL 295

]]> 294. AUSSTELLUNG ARCHIPEL DER FREUNDLICHEN UTOPIEN – WELLE 2 https://www.inselgalerie-berlin.de/294-ausstellung-10-10-22-11-2025-archipel-der-freundlichen-utopien-1-ergebnisse-der-ausschreibung-30-jahre-inselgalerie-berlin-2/ Fri, 10 Oct 2025 15:47:04 +0000 https://www.inselgalerie-berlin.de/?p=35317

10.10.2025-22.11.2025  |  Vernissage: 09.10.2025, Donnerstag, 19 – 22 Uhr  |
Finissage: 22.11.2025, Samstag, 14 – 16 Uhr

ARCHIPEL DER FREUNDLICHEN UTOPIEN | Welle 2

Ganz zu Beginn eine Insel in Ostberlin, verstehen wir Xanthippen uns längst als genuinen Teil einer Gruppe Berliner Institutionen, die die Arbeit Bildender Künstlerinnen kontinuierlich präsentiert und fördert – und damit Jahr um Jahr Bedingungen und Möglichkeiten für das Selbstverständnis künstlerischen Schaffens von Frauen generiert – jede auf ihre Weise.

30 Jahre – ein Jubiläum, das sich sehen lassen kann. Unser Blick geht nicht zurück, erkundet vielmehr das, was kommen kann, was sich gestalten, vorstellen, visualisieren, hörbar machen und fassen lässt. Eine Versuchsanordnung. Denken wir eine Gruppe von Inseln + das Meer, das sie umgibt und verbindet = ein Archipel: Xanthippen und ihre Gäste in der INSELGALERIE.

In zwei Ausstellungen präsentieren wir innerhalb von je sechs Wochen die Werke von 37 Berliner Künstlerinnen. Beim INSEL-Hopping steht die jeweilige Institution selbst im Mittelpunkt – Fünf Gesprächsrunden bieten erstmals Raum und Gelegenheit, sich über Stand und Ausblick der künstlerischen Programme auszutauschen. Feiern und ergründen wir Möglichkeitsträume – Die Geburtstagsparty als Labor. Unsere Gäste: Künstlerinnen von alpha nova & galerie futura, vom Frauenmuseum Berlin, der GEDOK Berlin und dem Verein der Berliner Künstlerinnen 1876.

Warum freundliche Utopien? Die Frage nach utopischen Entwürfen, Ideen und deren Sinnhaftigkeit ist virulent in diesen Zeiten, die unsicher, gar bedrohlich scheinen.Einige Künstlerinnen verschreckte der Ausschreibungstitel als unzeitgemäß. Gerät die Utopie, als Suche nach einer fiktiven, vermeintlich besseren Welt, in den Ruf einer blöden Wunschmaschine, ist sie vernünftig nur noch als Dystopie zu fassen? Wie ist ihr das Ermutigende abhandengekommen? Und was, wenn eine die Erde ohne Menschen als freundliche Utopie formuliert? Eine mögliche Option. Aber halten wir fest: Wir Menschen sind die Entitäten, deren Überleben dringend auf Freundlichkeit und Kooperation angewiesen ist.

2025 ➯ 30 Jahre Galerie für Bildende Künstlerinnen | ein Überblick über die Ausstellungen 2025

GEDOK BERLIN

 RENATE KOHL | SILKE KONSCHAK | GABRIELE NOCKER | SIBILLE RIECHERT | ORLA WOLF

INSELGALERIE Berlin

CATHERINE BOURDON | BRIGITTE DENECKE | KIM DOTTY HACHMANN | DÖRTE LÜTZEL – WALZ | MIRIAM SMIDT | TANJA WEKWERTH

VEREIN DER BERLINER KÜNSTLERINNEN 1867

INES DOLESCHAL | LIOBA VON DEN DRIESCH

FRAUENMUSEUM BERLIN

KATIA SOPHIA DITZLER | ULRIKE DORNIS

alpha nova & galerie futura

CORNELIA HERFURTNER | MIKALA HYLDIG DAL | GISELA WEIMANN

Künstlerinnen der GEDOK Berlin in der 2. Welle

Die GEDOK Berlin setzt sich seit 65 Jahren für die Anerkennung und Förderung der Künstlerinnen Berlins ein. 1926 von der Lyrikerin Ida Dehmel in Hamburg als Gemeinschaft Deutscher und Oesterreichischer Künstlerinnenvereine aller Kunstgattungen gegründet, werden im europaweiten Netzwerk der GEDOK bis heute interdisziplinäres Arbeiten, Vielfalt und Professionalität großgeschrieben.

*1958 Frankfurt/Main, nach 30 Jahren in Brüssel, Belgien lebt und arbeitet sie seit 2020 in Berlin
1969–76 Kurse bei der Schmidt-Rottluff-Schülerin Barbara Michel-Jaegerhuber.
Studium Germanistik und Geschichte, dann Journalistin.
2012–2018 Studium Freie Malerei an der RHoK Academie voor Beeldende Kunsten Brüssel, Belgien.
Ausstellungen im Atelier 29, Brüssel, Ateliergemeinschaft der Künstlervereinigung w-o-l-k-e. Gemeenschapscentrum Kontakt Brüssel-Woluwe, Cultuur-en Congrescentrum Sint-Pieters-Woluwe, Russian House Brussels.
Seit 2020 Atelier in der Kreativ-Fabrik, Berlin-Wilmersdorf.
Mitglied im BBK und der Gedok Berlin. Regelmäßige Ausstellungen in deren Galerien.

Die freundlichste Utopie, die ich mir vorstellen kann, ist eine Gesellschaft, in der Einzelne im Einklang mit dem Ganzen leben. Meine Acrylgemälde erkunden das Thema, indem sie dieselbe freundliche? Farbpalette nutzen und die Maltechnik mit der Zeit stark variieren. Katalysator dafür war der russische Überfall auf die Ukraine 2022, der rückblickend wie eine Vertreibung aus dem Paradies unserer glücklichen europäischen Schicksals- und Ereignislosigkeit anmutet. Das Gemälde Serenity 2 aus dem Jahr 2021 zeigt eine dicht gedrängte Menge, die in ihrer Vielfalt und Dynamik eine Art unangestrengte Harmonie durch Gemeinschaft und Zusammenhalt verkörpert.

*1965 in Dresden, 1989 Ingenieurstudium Maschinenbau, Hochschule Zwickau, autodidaktische Kunstausbildung, u. a. Keramikmalerin bei S. Müller in Berlin-Mahlsdorf, seit 1995 freiberufliche Künstlerin in Berlin in den Bereichen Graphik, Malerei, Collagen, Installationen, Artist Books, Lyrik, seit 2021 im Vorstandsteam der GEDOK Berlin. Mitgliedschaften: bbk Berlin, Internationale Gesellschaft der Bildenden Künste, GEDOK Berlin. Arbeiten seit 1998 in öffentlichen und privaten Sammlungen im In- und Ausland, u. a. in der Nationalbibliothek NY (USA). Einzel- und Gemeinschaftsausstellungen sowie Lesungen im In- und Ausland, bspw. in USA, RU, FR, AUT, CHE, ZA. Vertreten in Kunstzeitschriften: u. a. Sterz (Österreich), Body & Soul – Berlin Artist Magazine (Schoko Canossi) und Herzattacke.

Meine Unikatpublikation aus bearbeiteten Röntgenfilmen entsteht seit Januar 2025. Aus alten Tagebuchblättern, die ich zerstöre und übermale, und den Röntgenfilmen, die zumeist eine Befürchtung der eigenen Gesundheit darstellten, entsteht Neues. Auf den Tagebuchseiten und in weiteren Blättern werden Ideen für die Zukunft notiert.

Wie können Natur, Mensch und neu künstlich Erschaffenes (Cyborgs z. B.) zusammenleben? Solche Fragen werden gestellt.

*1962, lebt und arbeitet seit 2016 in Berlin und in der Uckermark, Studium Bildungswissenschaft, Studium Plastisches Gestalten an der Freien Hochschule Metzingen, 1993–2016 künstlerische Werkstatt in Zwiefaltendorf/Donau; Mitglied des BBK Berlin und der GEDOK Berlin, Werke in privaten und öffentlichen Sammlungen: Deutsche Nationalbibliothek, Deutsches Buch- und Schriftmuseum, Leipzig (D); Sammlung Gerhard Hartmann, Vorarlberger Landesbibliothek, Bregenz (A); Pro arte Stiftung, Biberach / Riss (D);Nanseolheon Foundation, Gangneung, Südkorea; Nanning Museum, Nanning, China.

Verschiedene Gruppen bilden mein plastisches Werk: Figurationen, Sprachräume, Raumkörper. Oft fließen unterschiedliche Materialien in die Gestaltung ein, auch Abfallstücke oder objets trouvés, die als Relikte einer speziellen Vergangenheit zuweilen noch Spuren ihres früheren Gebrauchs tragen. Herausgelöst aus ihren ursprünglichen Zusammenhängen erhalten sie im künstlerischen Prozess einen neuen Wert und eine neue Funktion bzw. Nicht-Funktion. Sie werden in ein Bedeutungsgefüge transponiert, in dem sich Vergangenheit und Gegenwart begegnen – ein wesentliches Moment für Utopien.
UTOPIEN BRAUCHEN
ein Innehalten, Stille, Zeit für Reflektion. AUFGABE, mit diesem Schriftzug im Inneren des Raumkörpers, entfaltet einen solchen erratischen Raum.den Mut zur Kühnheit, den Mut sich zu exponieren, den Mut den Thron zu besteigen. THRON UNBESTIEGEN lädt dazu ein, ist geradezu eine Aufforderung dazu. Und: es könnten viele sein, die dieser Aufforderung nachkommen.

*1962 in Witten/Ruhr, aufgewachsen in Karlsruhe, seit 2003 in Berlin, hier seit 2008 als freischaffende Künstlerin tätig, 2010–2021 Kurse für künstlerische Fotografie am Photocentrum am Wassertor, Berlin und an der Fotoschule Berlin, 2021–2024 Direktstudium Fotografie an der Ostkreuzschule für Fotografie, Berlin; 2024 Neutral Density Photography Awards 2024: Honorable Mention in Fine Art: Abstract Category

Zur Arbeit GRUND
Ich gehe durch Berlins Straßen und bin fasziniert von der Lebendigkeit des Bodens. An jedem Tag zeigen sich neue Spuren. Die Bäume werfen ab, was sie nicht mehr brauchen, sie wölben den Asphalt auf, Insekten graben Gänge, Regen spült Blütenstaub herunter, auf den Pfützen bewegen sich Spiralen. Selbst in einer Großstadt zeigt die Natur ihr anarchische Seite, überbordend, unkontrollierbar, voller Wachstum und Zerfall. Der Boden fungiert als eine Leinwand, auf der alle und alles Spuren hinterlassen: Menschen, Tiere, Pflanzen, Wetter, die Zeit. Er wird zu einem verbindenden Element, welches ein Spiegelbild für die menschliche Beziehung zur Natur ist, aber auch für die Beziehung der Natur zum Menschen. Auch im Anthropozän ist die gestaltende, raumgreifende Kraft der Natur präsent. Wer sucht, findet Poesie, die wir so dringend brauchen, in Anbetracht des Weltgeschehens.

*1971 Ratingen, lebt und arbeitet in Berlin, 1990–1996 Studium Neuere deutsche Philologie, Germanistische Sprachwissenschaft, Philosophie, Theaterwissenschaften und Medienkommunikation (M.A.)
Arbeitsbereiche: Lyrik, experimentelle Prosa, KI-Literatur, Blogliteratur, Theater, Film (Drehbuch, Produktion), Fotografie, Zeichnung, MixedMedia, KI-Kunst.

SCHWELLENRAUSCHEN – zwischen Text, Bild und Code
In meinen Arbeiten verbinde ich narrative Strukturen mit algorithmisch generierten Bildern und textbasierten Prompts. Dabei entstehen hybride Werke, die Fragen nach Wahrnehmung, Identität, Erinnerung und der Rolle der künstlichen Intelligenz im kreativen Prozess verhandeln.
Mich interessieren die Zwischenräume – und so entstehen meine Arbeiten an den Schnittstellen von Bild und Text, Stabilität und Fluss, Klarheit und Mehrdeutigkeit. Kunst ist für mich kein abgeschlossenes Objekt, sondern ein offenes Gebilde, in dem Gegensätze nicht aufgelöst, sondern bewusst produktiv gehalten werden. Diese Spannung erzeugt Möglichkeitsräume, in denen Bedeutung sich verschiebt und neu aufgeladen wird. Hybridität und Fluidität sind nicht nur Themen, sondern strukturelle Prinzipien meiner künstlerischen Praxis und öffnen Räume für Mehrstimmigkeit und Ambivalenzen.

Ich arbeite interdisziplinär zwischen Text, Bild, Film und digitalen Medien – irgendwo zwischen Papier, Dunkelkammer und Serverfarm.

Künstlerinnen der XANTHIPPE e.V. in der 2. Welle

1995 eröffnete die Berliner Fraueninitiative XANTHIPPE e.V. ihre eigene Plattform für die Vielfalt der Positionen professionell arbeitender Künstlerinnen. Die senatsgeförderte Galerie hat keinen festen Künstlerinnen-Stamm. In den 30 Jahren ihres Bestehens entwickelte sie sich zu einer europäisch und international ausgerichteten Institution.

1988–1993 Diplôme Supérieur d’Arts Plastiques, ENSBA, Ecole Nationale des Beaux –Arts de Paris, 1987–1992 Licence Arts Plastique et Communication, Faculté St. Charles, Sorbonne, Paris, 1990 Stipendium Universidad de los Bellos Artes, Barcelona Spanien, 1994 Postgraduierten-Stipendium Office Franco-Allemand Pour La Jeunesse, Aufenthalt an Hochschule der Künste, Berlin

In einer Zeit, in der Pessimismus zunehmend den öffentlichen und privaten Diskurs prägt, möchte ich mit meinen Werken bewusst einen Gegenentwurf präsentieren – eine Welt, die auf die grenzenlose Innovationskraft der Menschen basiert und die Kraft der Natur sich zu Wandeln.
Das Werk, thematisiert die Idee freundlicher Utopien, die nicht als ferne Ideale, sondern als Darstellungen der unendlichen Möglichkeiten die Welt zu gestalten, die wir in uns tragen und die die Natur besitzt. Sie sind nicht Flucht aus der Realität, sie sind mögliche Realitäten. Wir Künstler wissen zu gut, dass Utopien sind keine Illusionen bleiben müssen. Es geht nicht darum den Menschen aus seiner Verantwortung zu entlassen, im Gegenteil es geht darum den Menschen von seinen Allmacht-Fantasien zu befreien und ihn darauf aufmerksam zu machen, dass er nur ein winziger Teil eines ganzen wunder- und wandelbaren Systems ist. Wir haben die Freiheit uns neu zu erfinden und eine freundlichere, lebenswertere Welt mitzugestalten und wahrzunehmen – sowohl in uns selbst als auch um uns herum.

seit 1965 autodidaktische Beschäftigung mit künstlerischen Techniken, Mitwirkung an zwei Künstlerbüchern.
1965–1970 Studium an der TU Dresden.
1971–1987 Designerin für öffentliche Räume.
1988–1990 Koordinierung der Herstellung von Kunst am Bau und im öffentlichen Raum.
ab 1991 Raum- und Produktdesign.

Die Gedanken und Gefühle sind Ursache allen Wirkens. Alles fängt bei der Eigenliebe an. Innerer Reichtum und Würde balancieren in Wohlbefinden hinein. Das wiederum erzeugt Aufmerksamkeit für die Umgebung und Zugewandtheit für andere Menschen. Hat der Mensch gute Gedanken, kommen gute Worte, Freundliches, Höfliches und Glückliches. Die Wahl der Worte ist bewusst und gezielt, mit Sinn, bester Schutz vor Unsinn und Angst.
Gesprächspartnerin ist die Lyrikerin Heidrun Voigt: *1957 in Halberstadt, lebt in Zeuthen bei Berlin, Studium an der TU Dresden. Seit 2000 als freie Autorin, Herausgeberin und Journalistin tätig. Veröffentlichungen von Prosa und Lyrik in Zeitschriften und Anthologien.
Im Zwiegespräch mit Brigitte Deneckes Bildern möchte ich eine Entwicklung im ganz Persönlichen zeigen. In jedem selbst beginnt eine Vision: das Erspüren, die Erkenntnis, die Suche, der Plan, der Austausch, die Metamorphose.

*1974 in Hamburg, sie studierte Visuelle Kommunikation und freie Kunst mit Schwerpunkt Neue Medien an der Kunsthochschule Kassel und gewann 2001 den Preis der Hochschullehrer. Ihre Lehrer*innen waren Bjørn Melhus, Rolf Lobeck, Nicolaus Ott und Bernard Stein. Von den zwei letztgenannten wurde sie Meisterschülerin.
Hachmann nahm mit ihren Arbeiten an internationalen Medienkunstfestivals und Ausstellungen teil. Sie erhielt Stipendien und Residenzen weltweit. Mittels ihrer persönlichen Erfahrung untersucht Kim Dotty Hachmann die Verbindung von Familienleben und künstlerischer Karriere. Visuell setzt sie oftmals sich und ihre Familie in kurzen Videofilmen, Videoinstallationen und Fotoserien in Szene. Sie engagiert sich europaweit in verschiedenen Projekten und Netzwerken für marktunabhängige Arbeitsmöglichkeiten für freie Künstler*innen. Seit 2010 lehrt sie Storytelling und Motion Design im Bereich Digitale Medien an der SRH School of Popular Arts, Berlin und der TH Brandenburg.

Die Arbeit basiert auf der Idee, dass es in einer Familie so viele unterschiedliche Inseln wie es Mitglieder gibt, da jeder seine eigene Wahrheit lebt. Wenn die vier Mitglieder meiner Familie sich begegnen und in Ruhe am Tisch zusammenkommen gibt es Austausch zwischen den Archipelen. Die Inseln geraten in Schwingungen, sie ziehen sich an, sie stoßen sich ab und sie gelangen in gegenseitigen Austausch.
Verschiedene Fragestellungen werden an dem Tisch zwischen Vater, Mutter und den beiden Söhnen aufgegriffen, besprochen, diskutiert oder auch totgeschwiegen, angeschrien, verarscht, vereiert, veräppelt… und im besten Falle am Ende harmonisch abgerundet.
Visuell wird die Videoaufnahme aus drei unterschiedlichen Perspektiven aufgenommen. Frosch-, und Vogelperspektive der vierköpfigen Familie im Kreis und Close-up der einzelnen Gesichter. Das Video wird auf einen kreisrunden Tisch projiziert, in der Mitte liegt der Kopfhörer über den man die Gespräche verfolgen kann.

Sie lebt und arbeitet in Berlin.
2000–2003 Malreisen/Seminare bei Rolf Fässer
2003–2004 Freie Kunstschule Berlin bei Ute Wöllmann und Serge Waha2005–2009 Studium Akademie für Malerei Berlin, Abschluss als Meisterschülerin von Ute Wöllmann
2009–2012 Dozentengalerie ROOT Berlin
2013 In der Sammlung des Auswärtigen Amtes vertreten
2018–2019 vertreten durch Online-Galerie New German Art Niederlande
Seit 2010 Kunstverein Kunsthaus Potsdam; 2015–2024 Mitglied Kunstverein KUNST.RAUM.STEGLITZ e. V.; seit 2023 Berliner Fraueninitiative Xanthippe e. V.; seit 2024 GEDOK Berlin.


Meine Malerei ist abstrakt und enthält keine narrative Struktur. Es geht um die Bandbreite meiner eigenen Emotionen, die durch meine Lebensweise, meine bewussten und unbewussten Erfahrungen, insbesondere auch des Naturerlebens bestimmt werden. Meine inneren Bildlandschaften sind abstrakte Momentaufnahmen, die sich später in Farbe und Form materialisieren.
Farbe ist das zentrale Thema meiner Malerei: Ich nutze ihre Flüchtigkeit und Intensität als Licht- und Energieträger, um Emotionen zu vermitteln. Sie schafft Bildwelten jenseits der Realität, die dennoch reale Empfindungen hervorrufen, und spielt mit Licht, Dunkelheit, Wärme, Kälte, Tiefe, Nähe sowie Assoziationen unterschiedlichster Art. Ein Kennzeichen meiner Arbeit ist ihre Prozesshaftigkeit ohne feste Ergebniserwartung: Formen entstehen, vergehen oder verfestigen sich im Zusammenspiel von Zufall und Kontrolle. Kalkulierbares trifft auf Unkalkulierbares, Ordnung auf Unordnung – und diese Bewegungen sowie Emotionen spiegeln sich im fertigen Werk wider.

 

geb. 1983 in Leer Ostfriesland.
2002-2009 Studium Politologie und Germanistik, Carl von Ossietzky Universität Oldenburg
seit 2009  lebt und arbeitet in Berlin
2010 – 2016 freiberufliche Sozialwissenschaftlerin und Autorin (für BMFSFJ, BpB u.a.)
2011 – 2017 Selbststudium der Malerei
seit 2017 hauptberuflich freischaffende Künstlerin nach beruflicher Neuorientierung infolge einer Hirntumorerkrankung – Malerei, Skulptur, Installation, digitale Techniken, Installation
seit 2018 freiberufliche Workshopleitungen im Malsalon, Berlin – Aquarellmalerei, Abstrakter Expressionismus, Actionpainting
2020 Gründung Artwerk Berlin: Ausstellungsraum mit Atelier und Workshop-Angebot in ehem. Georg Heinrichs Kapelle, Berlin-Wedding
Arbeitsstipendium Kulturprojekte Berlin, Berlin
2023 1st International Painting Symposium Kalamaria, Thessaloniki, Griechenland

Miriam Smidt untersucht in Malerei, Objekt, Installation und digitalen Medien die Schnittstellen von Vergänglichkeit, Wandel, Heilung, Transformation: Leben und Tod und die Zeit dazwischen. Ihre Werke verbinden experimentelle Materialforschung mit narrativer zugleich abstrakter Bildsprache, und erzählen von Lebendigkeit, Verfall und Neuanfängen. Smidt leitet das ArtWerk Berlin, einen Raum für Workshops und unabhängige Ausstellungsformate, kuratiert Ausstellungsreihen, und ist mit ihrem Werk international vertreten.
Archipel der freundlichen Utopie: Alles soll bleiben, wie es ist! Alles muss sich ändern!In Zeiten existenzieller Unsicherheit, in denen Zerfall und Wandel allgegenwärtig sind, entstehen Fragen nach Beständigkeit: Was überdauert die alltäglichen und vielfältigen Zumutungen, was widersetzt sich, was kann bestehen? Was muss sich ändern, was darf bleiben? Für das Archipel der freundlichen Utopien entwickelte ich eine Versuchsreihe zu Prozessen des Konservierens der Bewahrung dieser Werke. Mit Stoffen wie Glycerin, Ethanol, Harze wurden die temporären Objekte in einen neuen Aggregatzustand überführt und gemäß der Archipel-Symbolik zu Wasserwesen. Meine freundliche Utopie schlägt eine Brücke zwischen Zerfall und Hoffnung: In einer Welt, die vom Ende spricht, bleibt das Beharren auf Sichtbarkeit und Transformation ein Akt des Widerstands – und eine stille, freundliche Geste an die Zukunft. Ich frage nicht nach dem Stillstand der Zeit, sondern nach neuen Formen der Sorge, der Zärtlichkeit und der Selbstermächtigung angesichts eines universellen Verfalls …

Tanja Wekwerth wurde in Berlin geboren und studierte Sprachen in Paris sowie Fotografie in Berlin. Ihren Bildern wird eine erzählerische Tiefe zugeschrieben, was gut zu ihrer Arbeit als Autorin passt. Ihr neues Buch „Zeitfenster Leben vereint Kurzprosa und Fotografie.
Wekwerths fotografische Arbeiten wurden bereits international ausgestellt, unter anderem in Paris, Brüssel, Washington und Stockholm, sowie in der Inselgalerie in Berlin und der Kunsthalle Brennabor in Brandenburg an der Havel. Neben ihrer Arbeit als Autorin und Fotografin interessiert sie sich für den bald 200 Jahre alten Foto-Entwicklungsprozess der Cyanotypie. Seit Januar 2023 ist sie Mitglied der Berliner Fraueninitiative Xanthippe e.V. und des Vereins Künstlerhäuser Worpswede e.V.

Eine freundliche Utopie ist für mich eine Gesellschaft in der Verständnis, Mitgefühl und Zusammenarbeit im Vordergrund stehen. In dieser Vision könnten Menschen in Harmonie leben, Diversität schätzen und soziale Gerechtigkeit wäre selbstverständlich.
Meine Cyanotypie-Reihe der „Göttinnen“ dient als Symbol für eine solche Utopie. Nur eine göttliche weibliche Urkraft wäre in der Lage, Mitgefühl, Verständnis und Harmonie an erste Stelle zu stellen. Ihre Anbetung könnte die Menschheit dazu inspirieren, nach einem besseren Zusammenleben zu streben. Göttinnen wären Leitbilder für ethisches Handeln und eine Quelle der Hoffnung in schwierigen Zeiten.
Bei der Cyanotypie wird die Fotografie bei Sonnenlicht im Wasser zur Welt gebracht und verändert sich von Braun zu Blau. Ein zauberhafter Prozess, bei dem Licht und chemische Reaktionen zusammenkommen, um faszinierende, oft surreale Bilder zu schaffen. Eine Wassergeburt, die einer Göttin würdig ist.

 

Künstlerinnen vom FRAUENMUSEUM BERLIN in der 2. Welle

Das Frauenmuseum Berlin wurde in den 90er Jahren gegründet und besitzt keinen festen Ausstellungsort. Das Künstlerinnen-Netzwerk lebt von immer neuen Ideen für gemeinsame Ausstellungen und Veranstaltungen, die in Galerien, Projekträumen und auf Festivals gastieren. Auf diese Weise bleibt das staubfreie Museum stadtweit im Gespräch. Die Kommunale Galerie Berlin hat sich als ein regelmäßiger Ausstellungsort manifestiert.

*1992, lebt in Zürich, Berlin und Bochum; Interdisziplinäre Medienkünstlerin, Autorin und Filmemacherin. Sie studierte in Leipzig, Kyjiw, Moskau, Yogyakarta und Berlin. Arbeitet interdisziplinär zwischen Text, Klang, Video, Performance und Extended Reality. Mitglied im Frauenmuseum Berlin, im Medienkunstverein Berlin und im PEN Berlin. Aktuell absolviert sie den Master Transdisziplinarität an der Zürcher Hochschule der Künste.

Eine freundliche Utopie kann vielerlei Gestalt annehmen. In einer Zeit, in der Zukunft meist nur als Bedrohung inszeniert wird, begreife ich künstlerisches Arbeiten als eine Form des sanften Widerstands: gegen Erschöpfung, gegen Entfremdung, gegen die linearen Narrative des „immer mehr“ und „immer schneller“. Der Archipel der freundlichen Utopien ist für mich ein Denkbild für genau das, was Kunst im besten Fall sein kann: ein Netz aus Inseln – fragil, verschieden, verbunden durch Tiefe. Ich interessiere mich für spekulative Formen des Träumens, in denen sich Körper, Technik und Mythos nicht ausschließen, sondern in neue Verhältnisse treten. Meine Arbeiten bewegen sich an den Rändern dessen, was als „realistisch“ gilt – nicht, um zu entfliehen, sondern um Räume zu öffnen, in denen andere Möglichkeitsformen erahnbar werden.
Dabei glaube ich an die Kraft von Zärtlichkeit, Witz, Magie und Unernst – auch als politische Haltung.

*in Leipzig, lebt und arbeitet seit 2000 in Berlin; 1982–84 Lehre zur Stukkateurin, Gesellenbrief; 1986–92 Studium Malerei bei Arno Rink, Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig, Diplomabschluss; zwischen 1995 und 1997 DAAD Reise-Stipendium, Kairo, Ägypten; Arbeitsaufenthalt Chicago; 1998 Lehrtätigkeit in Khartoum/Sudan, seit 2023 Gesellschafterin der galerie intershop Leipzig.

Seit Jahrhunderten dominieren Männer den Kunstbetrieb. Frauen erscheinen in Gemälden in stereotypen Rollen: beim Einschenken, Tanzen oder als Beute. Auch im Sozialistischen Realismus säen und ernten sie oder lassen Friedenstauben fliegen, während Männer den Fortschritt verkörpern.
Auf meiner Insel gebe ich Frauen das Heft des Handels zurück und suche gezielt Werke von Künstlerinnen der DDR, um sie ins heutige Bewusstsein zu rücken. Mit Frauen als Protagonistinnen stelle ich sozialistische Arbeiterbilder nach, male sie neu und lasse die Modelle Bildmaterial als Tableau vivant inszenieren. So entstehen neue Situationen, die mit dem historischen Bildgedächtnis interagieren. „Männliche“ und „weibliche“ Posen werden dabei neu interpretiert und auf ihre Aussage überprüft. Dabei untersuche ich: Können Bilder anders gelesen werden? Wie erzählen heutige Akteur*innen diese Geschichten? Wie lassen sich von Männern geprägte Frauenbilder aus dem Kanon befreien? Lassen sich die festgeschriebenen Erinnerungen an sie wieder dynamisieren? Vor allem die der mutigen, aber auch grausamen oder aggressiven Frauen: Warum steht ihre Aggressivität im Mittelpunkt, oder ist dies unserem zeitgenössischen Blick geschuldet?

Künstlerinnen vom Verein der Berliner Künstlerinnen 1867 in der 2. Welle

Im Januar 1867 gegründet, stellt der Verein der Berliner Künstlerinnen 1867 die älteste Berliner Institution zur Förderung von Künstlerinnen dar. Ein Jahr nach der Gründung wurde eine Zeichen- und Malschule gegründet, in der viele später namhafte Künstlerinnen studierten, u.a. Käthe Kollwitz. Widerständig in der Zeit des Nationalsozialismus besteht der Verein in seiner großen Tradition bis heute fort.

*1972 in Waiblingen bei Stuttgart, lebt und arbeitet in Berlin, drei Kinder.
Studium Kunstgeschichte, Englisch und Freie Kunst in Tübingen, Münster und London.
Postgradualer Studiengang „Kunst im Kontext“ an der Universität der Künste Berlin.
Künstlerhaus Lukas in Ahrenshoop, Arbeitsstipendium der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Europa, Stipendium der Stiftung Kunstfonds Bonn und des BKM.
Sie konzipiert und kuratiert neben ihrer künstlerischen Praxis Ausstellungen, u. a. KLASSE DAMEN! 100 Jahre Öffnung der Berliner Kunstakademie für Frauen, Schloss Biesdorf, Berlin oder We care. Do you? über das Verhältnis von Sorgearbeit und Kunstproduktion.
2018 co-initiierte sie das feministische Netzwerk kunst+kind berlin, 2019 das Aktionsbündnis fair share! Sichtbarkeit für Künstlerinnen e. V., Initiativen für mehr Teilhabe, Repräsentanz und Anerkennung von (care-arbeitenden) Künstlerinnen. Seit 2001 Einzel- und Gruppenausstellungen im In- und Ausland.

Ein Haus, ein Traum, ein Raum für mich allein
Meine Collagenserie Casa Albero, die ich bislang noch nicht gezeigt habe, manifestiert für mich die – irrationale? archaische? typisch weibliche? – Sehnsucht nach einem „House/Room of My Own“. Andererseits ist sie ein Beleg meiner Faszination für die idealistische Architektur des Brutalismus. Wie so viele Werke dieses Stils wurde auch die Casa Albero mit viel Mut zum Radikalismus in den 1960ern gebaut vom Architektenpaar Perugini in Fregene bei Rom, nie genutzt und schon lange dem Verfall preisgegeben. Für mich symbolisiert das Haus in nuce: Mit allen (architektonischen) Normen und Konventionen brechend, Landflucht begehend, weil das Großstadtleben überreizt und gestresst, la dolce vita suchend und den Woolfschen room of one‘s own, incl. Unabhängigkeit und Einkommen. Die „Casa“ ist eine kleine Utopie, ein zementenes Gewächs aus Sehnsüchten, ein verinselter Traum im dornigen Gestrüpp der Wirklichkeit.

*1957 in Mainz, lebt und arbeitet in Berlin, sie studierte ab 1983 Kunst und Lehramt an der Kunsthochschule Mainz / Johannes Gutenberg-Universität. Von 1989 bis 1995 Assistentin von Jutta Brückner an der Hochschule der Künste Berlin (heute UdK) und leitete von 2011 bis 2023 die Medienwerkstatt im Kulturwerk des bbk berlin GmbH. Jüngste Ausstellungen umfassen Zwischenblicke beim European Month of Photography Berlin (2025), ROAMINALE #3 in Berlin (2024), Kein Stand noch Still im Frauenmuseum Berlin (2023) und Habitate im Schloss Biesdorf (2022).

In der Schwebe, 2025 3D Animation
Die Vorstellung einer freundlichen Utopie löst bei mir eine Sehnsucht nach Offenheit aus, nach einem Neubeginn aus einer gewissen „Unschuld“ heraus, „geboren unter einem guten Stern“. Auch das Bild des Archipels passt dazu: Fragil und abgeschieden, geschützt durch die Schwierigkeit, ihn zu finden, vielleicht sogar in irgendeiner fernen Galaxie.
Die Freundlichkeit ist in einem Kardinalzustand und darf in den alltäglichen Details ihrer Zukunft nicht vorformuliert werden. Eine Leere, bestenfalls gefüllt mit Weisheit und Weissagungen, ein Bild, das der Belastung durch profanes Weiterdenken nicht standhält – in bester Tradition historischer Paradiesvorstellungen.
Eine kindliche Gestalt als Sinnbild der Unschuld verkörpert das Mensch-Sein in vielen dieser Bilder. Das Kind in meiner Utopie ist gleichzeitig Sternbild und Galaxie. Es trägt alle Zeichen der Tradition in der Darstellung eines Babys, sei es als Cupido, Christuskind oder einer Spielzeugpuppe, aber es hat auch selbst eine Geschichte der Transformation. Es ist die Fotogrammetrie (3D-Scan) des Bronzeabgusses einer Babypuppe, den ich seit 50 Jahren besitze. Der Abguss ist an den Händen und Füßen misslungen und auch an anderen Stellen unbeholfen nachgebessert. Das gibt der Figur Individualität und Lebenserfahrung.
Freundlichkeit ist kein Schlaraffenland, sondern eine Aufgabe.

Künstlerinnen der alpha nova & galerie futura in der 2. Welle

1986 in Berlin von Uta Koch-Götze gegründet, verschränkt alpha nova & galerie futura eine dezidiert emanzipatorische und feministische Perspektive mit künstlerischer Praxis und Kulturvermittlung an Schnittstellen zu Wissenschaft und Politik. Die Entwicklung kritischer Standpunkte steht im Fokus. alpha nova & galerie futura ist in Berlin eine der wichtigsten Plattformen für Künstlerinnen und FLINTA*-Personen.

 *1988, lebt und arbeitet in Berlin; 2000–2014 Studium der Bildenden Kunst, Universität der Künste Berlin, Meisterschülerin bei Josephine Pryde; 2010 Emily Carr Institut of Art and Design, Vancouver, 2012 École supérieure d’art & de design, Marseille-Méditerranée, Marseille; Von September bis November 2022 war sie als Stipendiatin des Berliner Senats für kulturelle Angelegenheiten in New York City und forschte zu sozialen Bewegungen und der Geschichte engagierter Kunstpraxen von Occupy bis Decolonize this place. Sie ist im antimilitaristischen Bündnis „Rheinmetall Entwaffnen“ organisiert und setzt sich aktiv gegen Krieg und Rüstungsproduktion ein.

In den letzten vier Jahren habe ich zur sogenannten „passiven Bewaffnung“ gearbeitet, einer in der BRD gültigen rechtlichen Konstruktion, die es der Exekutive und Judikative erlaubt Praxen des Selbstschutzes bei Demonstrationen im öffentlichen Raum zu kriminalisieren. In meiner künstlerischen Arbeit tauchen als „passive Waffen“ vor Gerichten verhandelte Gegenstände, wie Sonnenbrillen, Baseballcaps oder Regenschirme, auf Holzschilden auf. Die Formen der Reliefs nehmen Anleihe bei Schutzschilden. In ihrer Originalgröße dargestellt, wirken Gegenstände mal abstrakt, mal konkret, als könnten sie aus dem Bild herausgegriffen und getragen werden. Rückseitig angebrachte Relief-Griffe evozieren Gesten des Greifens und Haltens als minimale widerständige Praxen. Der Schutz und die Reproduktion des Lebens wird seit der Antike nicht im öffentlichen, sondern im privaten Raum verortet. Mich interessiert, was passiert, wenn Tätigkeiten wie Essen, Schlafen, oder die Erhaltung der eigenen körperlichen Integrität den privaten Raum verlassen – und im öffentlichen Raum Teil von Politik werden. Was macht diese Überschreitung so bedrohlich? Mein Beitrag zum Archipel der freundlichen Utopien verweist auf die Möglichkeit einer Welt, in der individuelle und gesellschaftliche Reproduktion ein geteiltes Anliegen ist und im Zentrum von Politik steht.

*1979 in Dänemark, lebt als Künstlerin und Forscherin in Berlin. Hyldig Dal setzt sich kritisch mit neuen Technologien wie Augmented Reality, Virtual Reality und künstlicher Intelligenz auseinander, um dominante Machtstrukturen zu erforschen und zu hinterfragen. Durch immersive digitale Umgebungen verwandelt Hyldig Dal den virtuellen Raum in ein kritisch-diskursives Feld, das spekulative Geschichte, Science-Fiction und Mythologie miteinander verbindet.

 Zukunft hören: Utopie als Methode, nicht als Ziel
Utopie ist für mich kein Ort, sondern eine Praxis des Lauschens – eine spekulative Frequenz, die unter der Oberfläche des Bestehenden vibriert. Sie ist kein Bauplan für Perfektion, sondern die Erlaubnis, sich ein Anderes vorzustellen. In einer Welt, die vom Extraktivismus, von Geschwindigkeit und der Logik des Messbaren getrieben ist, lebt die Utopie in der leisen Verweigerung: im Innehalten, im Atem, in der Hinwendung zu dem, was der Kapitalismus unhörbar macht – Fürsorge, Langsamkeit, gemeinsame Zeit.

*1943 in Bad Blankenburg/Thüringen, lebt und arbeitet in Berlin. studierte Malerei an der UdK Berlin (Meisterschülerin), Grafik und experimentelle Fotografie am Royal College of Art in London und Film am San Francisco Art Institute (BA). Ihr Lebensweg ist durch Studien- und Lehraufenthalte im Ausland geprägt. 2002 erhielt sie den Kritikerpreis für Bildende Kunst des Verbandes der Deutschen Kritiker e. V.

„Räumliche Grenzen überschreitet Gisela Weimann mit kosmopolitisch orientierten Projekten und Kooperationen, europäisch und außereuropäisch. Breite und Vielfalt ihrer künstlerischen Ausdrucksform und Arbeitsweise reichen von Malerei und Grafik, Fotografie und Film, Mail Art, Installationen und Environments bis zu multimedialen Projekten, Aktionen, Performances und Kunst im öffentlichen Raum. Und spartenspezifische Grenzen überwindet sie durch interkulturelle und interdisziplinäre Zusammenarbeit mit Künstlerinnen und Künstlern aus dem Theater-, Musik- und Film-Bereich sowie mit Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftlern unterschiedlicher Disziplinen.“ (Kritikerpreis 2002 für bildende Kunst Text der Laudatio von Dr. Stefanie Endlich)

Zur Arbeit Im freien Fall, 2024–2025
OHNE ZEIT UND RAUM, Zitat aus meinem Tagebuch, berlin, 31. 10. 2010
… während ich weg war, weit weg ohne erinnerung, ist es herbst geworden im garten hinter dem küchenfenster mit einem geschenk goldener blätter, die sich vollgesogen haben mit sonnenlicht, ein letztes mal – zyklus und unendlichkeit, vertraute wiederkehr und unentdeckte fremde schönheit, die ihren eigenen gesetzen gehorcht – ich versuche, mich wieder einzuordnen in die enge umlaufbahn meines lebens, in der ich mich normalerweise ohne nachdenken zwischen festgelegten koordinaten und eingeübten handlungen bewegen kann – der siebte cosmology congress in bath hat mich aus meiner umlaufbahn in entfernte galaxien geschleudert, und ich taumele zwischen diffusem, archaischen vorwissen und suchender logik von stern zu stern – mathematische formeln können mir die unendlichkeit nicht erklären und gott hält die tür zum paradies der erkenntnis fest vor mir verschlossen – ob ich eines tages, wenn anfang und ende zusammenfallen, wie in kafkas erzählung „der türhüter“ erfahre, dass ich nicht wahrnahm, dass die tür der erkenntnis, vor der ich wartete, die ganze zeit für mich geöffnet war? …

STARTEN SIE HIER EINEN VIRTUELLEN RUNDGANG DURCH DIE 294. AUSSTELLUNG
ARCHIPEL DER FREUNDLICHEN UTOPIEN / WELLE 2  in der INSELGALERIE Berlin

Sounddesign © Kai Bluhme_Music 

]]> 293. AUSSTELLUNG | ARCHIPEL DER FREUNDLICHEN UTOPIEN 1: ERGEBNISSE DER AUSSCHREIBUNG 30 JAHRE INSELGALERIE BERLIN https://www.inselgalerie-berlin.de/293-ausstellung-22-08-04-10-2025-archipel-der-freundlichen-utopien-1-ergebnisse-der-ausschreibung-30-jahre-inselgalerie-berlin-3/ Fri, 22 Aug 2025 15:33:51 +0000 https://www.inselgalerie-berlin.de/?p=34982

22.8.2025-4.10.2025  |  Vernissage: 21.8.2025, Donnerstag, 19 – 22 Uhr  |
Finissage: 4.10.2025, Samstag, 14 – 16 Uhr

ARCHIPEL DER FREUNDLICHEN UTOPIEN | Welle 1

Ganz zu Beginn eine Insel in Ostberlin, verstehen wir Xanthippen uns längst als genuinen Teil einer Gruppe Berliner Institutionen, die die Arbeit Bildender Künstlerinnen kontinuierlich präsentiert und fördert – und damit Jahr um Jahr Bedingungen und Möglichkeiten für das Selbstverständnis künstlerischen Schaffens von Frauen generiert – jede auf ihre Weise.

30 Jahre – ein Jubiläum, das sich sehen lassen kann. Unser Blick geht nicht zurück, erkundet vielmehr das, was kommen kann, was sich gestalten, vorstellen, visualisieren, hörbar machen und fassen lässt. Eine Versuchsanordnung. Denken wir eine Gruppe von Inseln + das Meer, das sie umgibt und verbindet = ein Archipel: Xanthippen und ihre Gäste in der INSELGALERIE.

In zwei Ausstellungen präsentieren wir innerhalb von je sechs Wochen die Werke von 37 Berliner Künstlerinnen. Beim INSEL-Hopping steht die jeweilige Institution selbst im Mittelpunkt – Fünf Gesprächsrunden bieten erstmals Raum und Gelegenheit, sich über Stand und Ausblick der künstlerischen Programme auszutauschen. Feiern und ergründen wir Möglichkeitsträume – Die Geburtstagsparty als Labor. Unsere Gäste: Künstlerinnen von alpha nova & galerie futura, vom Frauenmuseum Berlin, der GEDOK Berlin und dem Verein der Berliner Künstlerinnen 1876.

Warum freundliche Utopien? Die Frage nach utopischen Entwürfen, Ideen und deren Sinnhaftigkeit ist virulent in diesen Zeiten, die unsicher, gar bedrohlich scheinen.Einige Künstlerinnen verschreckte der Ausschreibungstitel als unzeitgemäß. Gerät die Utopie, als Suche nach einer fiktiven, vermeintlich besseren Welt, in den Ruf einer blöden Wunschmaschine, ist sie vernünftig nur noch als Dystopie zu fassen? Wie ist ihr das Ermutigende abhandengekommen? Und was, wenn eine die Erde ohne Menschen als freundliche Utopie formuliert? Eine mögliche Option. Aber halten wir fest: Wir Menschen sind die Entitäten, deren Überleben dringend auf Freundlichkeit und Kooperation angewiesen ist.

2025 ➯ 30 Jahre Galerie für Bildende Künstlerinnen | ein Überblick über die Ausstellungen 2025

GEDOK BERLIN

INA ABRAHAM | ANJA ASCHE | KATRIN GROTE-BAKER | DANIELA BUTSCH | MARION LUISE BUCHMANN | MIRIAM TAMAYO

XANTHIPPE e.V. Berlin

SONJA BLATTNER |  SUSANNA GYALOKAY | ROSIKA JANKÒ-GLAGE | GISELA KURKHAUS-MÜLLER | BENITA MYLIUS | MARIANNE SCHRÖDER | BEATE TISCHER

FRAUENMUSEUM BERLIN

JUDITH BRUNNER | MARGRET HOLZ | CHRISTINE FALK

VEREIN DER BERLINER KÜNSTLERINNEN 1867

IRÈNE HUG

alpha nova & galerie futura

JULI SCHMIDT | MAGDALENA KALLENBERGER

Künstlerinnen der GEDOK Berlin in der 1. Welle

Die GEDOK Berlin setzt sich seit 65 Jahren für die Anerkennung und Förderung der Künstlerinnen Berlins ein. 1926 von der Lyrikerin Ida Dehmel in Hamburg als Gemeinschaft Deutscher und Oesterreichischer Künstlerinnenvereine aller Kunstgattungen gegründet, werden im europaweiten Netzwerk der GEDOK bis heute interdisziplinäres Arbeiten, Vielfalt und Professionalität großgeschrieben.

Ina Abraham, 1965 in Berlin geboren,
lebt mit ihrer Familie in Berlin
1988 – 1995 Magister Artium Freie Universität Berlin
Magister Informatik und Informationswissenschaft
Grundstudium Politologie
 Wenn ich durch den Sucher meiner Kamera blicke, suche ich Licht und Schatten, Linien, Komposition. Ich suche auch Hoffnung, Intensität und die kleinen Augenblicke des Glücks. Das, was ich finde, gibt dann und wann ein leises Versprechen, dass unsere Welt, trotz aller Brüche und Schatten, voller positiver Optionen ist, in jedem kurzen Zeitintervall. Meine Arbeiten erzählen von den kleinen und großen Heldinnen und Helden des Alltags, den zauberhaften Momenten, den freundlichen Merkwürdigkeiten, den poetischen Konstellationen der Dinge; sie erzählen von dem, was im Stillen wirkt, Mut macht, Freude bereitet, Gemeinschaft stiftet, einfach schön oder seltsam ist. In Kopf und Herzen wirken dann die Geschichten weiter, sind unspektakulär, generieren keine Schlagzeilen und selten Likes. Sie taugen zum Fundament, auf dem ein lebenswerter Alltag ruht. Kostbar und schützenswert sind mehr denn je Qualitätsjournalismus und öffentlich-rechtliche Berichterstattung – Rückgrat einer informierten, demokratischen Gesellschaft. Doch auch der beste Journalismus braucht Geschichten, die Hoffnung stiften, Mut und nicht Wut machen, zeigen, dass Wandel möglich ist und Solidarität trägt. Der Archipel der freundlichen Utopien ist für mich kein fernes Land. Ein Möglichkeitsraum, der in uns beginnt, in unseren Blicken, unseren Gesten, unserem Handeln, dem, was uns wichtig ist. Gemeinsam und im Austausch können wir Inseln der Hoffnung schaffen – und vielleicht eines Tages ein freundliches Festland erreichen.

1967 geboren in Göttingen, lebt und arbeitet in Berlin seit 2003
1992–1998 Studium der Architektur an der Hochschule Bremen
1999–2002 Berufstätigkeit als Architektin in Deutschland und der Schweiz
seit 2003 Freie Tätigkeit an der Schnittstelle Architektur/Grafikdesign
seit 2007 Aufnahme der künstlerischen Tätigkeit
seit 2019 Mitglied der GEDOK Berlin

 Moose und Flechten wachsen auf kleinen Papierinseln. Grafiken sprießen und erobern die dritte Dimension. Mensch und Natur bilden eine Symbiose. Die Galeriewand wird zum Meer, der Raum zum Universum, das Objekt zur Insel, zum Planeten. Während der Mensch die Natur nachahmt und optimieren will, bleibt seine eigene Zukunft auf diesem Planeten ungewiss. Moose und Flechten hingegen überdauern durch Symbiose mit anderen Lebensformen – geduldig und voller Lebenskraft. Sie stehen für ein Weiterleben nach der Krise. Für eine Zukunft des Miteinanders, die im Kleinsten beginnt und zu Großem erwächst. Gleichzeitig sind die Werke Inseln der Kreativität im hart umkämpften Künstlerinnen-Alltag. Sie sind frei von Zwängen und Notwendigkeiten. Hier wachsen Stärke und Zuversicht, Kräfte sprießen und erobern neue Dimensionen. „Anja Asche hat ein Auge für das Kleine, für Dinge oder Phänomene, die so alltäglich oder unbedeutend zu sein scheinen, dass sie übersehen oder nicht wahrgenommen werden. In ihren fragilen, filigranen und auf den ersten Blick ephemer wirkenden Objekten und Installationen, die sie aus Pflanzensamen, Gräser, Ästen, Flechten und anderen Fundstücken fertigt, setzt sie sich auf eine subtile, minimalistische und sehr überzeugende Art mit der Zerbrechlichkeit und Vergänglichkeit der Existenz und der Fragilität der Identität auseinander …“ Urszula Usakowska-Wolff

Katrin Grote-Baker, Bildende Künstlerin, 1968 in Zeven geboren, wuchs in Norddeutschland auf. In Berlin studierte sie Kunstgeschichte an der Humboldt-Universität. Seit 1999 lebt und arbeitet sie zwischen Deutschland und Italien, verbrachte ein Jahr in Cambridge, USA. 2012-2013 ist sie Gastkünstlerin an der American Academy in Rom gewesen. Seit 2013 ist Berlin ihr Lebensmittelpunkt. Die Künstlerin hat an zahlreichen Ausstellungen im In-und Ausland teilgenommen, wo ihre Arbeiten in privaten wie öffentlichen Sammlungen vertreten sind. Sie ist Mitglied bei Gedok Berlin, BBK Berlin.

 Die Figur des Esels ist 2002 in einer heißen Sommernacht auf einer Dachterrasse in Rom geboren und letztlich zu Beginn der Coronazeit unter die Leute gebracht, um ihnen ein Lächeln zu schenken. Während dieser Zeit habe ich täglich einen Esel gezeichnet, so dass es jetzt ca. 590 donkeys gibt. Begonnen habe ich mit kleineren Formaten, Aquarell, Wachs, Tinte, Stifte auf Papier und arbeite derzeit auf großformatigem Papier in Öl, Graphit, Stiften. Diese Serie ist ein work in progress. Ich beginne, indem ich die Figuren mit der linken Hand mit einem Graphitstift zeichne. Trage dann die Ölfarbe größtenteils mit den Fingern der linken Hand auf, nutze selten einen Pinsel. Für die Tinte nutze ich Bambusstöcke. Das Arbeiten mit meiner linken Hand ermöglicht mir diese perfekt unperfekten Wesen ins Leben zu rufen. Als Quelle der Inspiration dient mir der normale Alltag. So lerne auch ich meine Esel immer wieder neu kennen und freue mich über ihre komplexe Einfachheit und besonders ihren Humor.„Kreativität ist die Quelle des Lebens. Alla vita!“Katrin Grote-Baker ist Malerin und Bildhauerin, sie beschäftigt sich mit den Themen Zeit, Zeitlosigkeit, der Überwindung von Grenzen (räumlich, zeitlich, künstlerisch, definitorisch, intellektuell usw.), Vitalität, Freude und dem Geschenk des Lebens. Ihre Kompositionen laden in neue Räume ein und regen an, konventionelle Vorstellungen, vorherrschende Meinungen und das, was für wahr gehalten wird, zu überdenken.

1957 geb. in Mannheim.
1979- 89 Studium Philosophie, Theaterwissenschaft Freie Universität Berlin, visuelle Kommunikation Hochschule der Künste Berlin, Dokumentarfilm University of
London.
1989 ff Dozenturen FU Berlin, Hochschule der Künste, Berlin, AKI Enschede (NL),
1996 ff Professur für Audiovisuelle Kommunikation im Medienverbund an der Hochschule für Technik Wirtschaft und Kultur (FH) Leipzig

I.1. Dem Mangel an Ateliers wird in meiner Utopie durch eine Win-win-Situation begegnet. Unter Denkmalschutz stehende und nicht genutzte Gebäudekomplexe müssen geheizt und erhalten werden. Indem sie Künstler*innen gegen Nebenkostenpauschalen überlassen werden, hätten wir mit dem Flughafen Tempelhof und dem ICC zuerst mal den drängendsten Atelier- und Projektraumbedarf angemessen besänftigt. Solches Konzept darf aber nicht in der Verwaltung sterben. Es muss innerhalb dreier Monate umgesetzt werden. I.2. Die bisher existierenden Inseln, die in Berlin Kunst von Frauen ausstellen, werden um ein organisch wachsendes Format ergänzt: die Künstlerinnen Biennale Berlin (KBB). Diese KBB findet im Wechsel mit der international ausgerichteten Berlin Biennale statt und gliedert sich in drei Perspektiven: I.2.1 – Lokal Zunächst soll ein Format geschaffen und institutionell verankert werden, welches in Berlin lebenden Künstlerinnen Sichtbarkeit in den großen Häusern verschafft. Ich denke zunächst an einen der großen Räume im 1. Stock des Hamburger Bahnhofs – Museum für Gegenwart. Diese Gegenwart soll schon sehr bald auch ganz und gar Lokales zeigen, allerdings nur von Künstlerinnen.I.2.2 – Bundesweit Perspektivisch soll die Künstlerinnen Biennale Berlin (KBB) sich zunächst bundesweit entwickeln. Hierzu wären dann die Galerie des Bundestags im Marie-Elisabeth-Lüders-Haus und/oder das Schadow Haus zu bespielen. 1.2.3 – Europa Die europäische Perspektive kann dann im Gropiusbau und/oder der Neuen Nationalgalerie stattfinden. Die KBB soll andere Hauptstädte Europas animieren, ebenfalls ein solches Format zwecks Austauschs zu entwickeln.

In Hamburg geboren, erhielt sie ihre Ausbildung mit Diplom für Tanz und Kammertanz an der Hamburgischen Staatsoper und tanzte u.a. als Solistin am Theater Bonn, Nationaltheater Mannheim und dem Staatstheater Hannover.
Als künstlerische Leiterin, Choreografin und Trainingsleiterin leitete sie ab 1982 das TanzTheaterHamburg, eine der ersten freien Tanztheatergruppen zu dieser Zeit. In den 12 Jahren unter ihrer Leitung erarbeitete sie mit ihrer Compagnie 28 Choreografien die im In- und Ausland aufgeführt wurden. Seit 1999 lebt und arbeitet sie in Berlin als freischaffende Choreografin, Dozentin und Videokünstlerin.
Sie ist Mitglied der GEDOK Berlin seit 2015 und gehört dem Vorstands-Team der GEDOK Berlin seit Juni 2018 an.
Von der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Europa erhielt sie 2017 eine Künstlerinnen-Förderung.
Seit 2006 entstanden 41 Tanz- KunstVideos, Installationen und Dokumentationen, SoundCollagen, sowie zahlreiche Videostills die in Ausstellungen im In- und Ausland gezeigt wurden. Videostills ihrer Arbeiten befinden sich in öffentlichem- und Privatbesitz.

 Hier steht sie, allein auf ihrer Insel, ihrem Archipel oder einfacher gesagt auf ihrem STANDpunkt. Kopfüber, damit Positives sie so besser umgeben und Einzug halten kann. Geschäftiges Leben um sie herum, Betriebsamkeit, Chaos und Zielstrebigkeit. Ja, die Menschen scheinen einem Ziel entgegenzulaufen. Die Farben des Lichts, der Wärme und der Kreativität verändern langsam die Atmosphäre, hüllen sie ein und wecken ihre Lebensgeister. Etwas von außen gibt ihr den entscheidenden Impuls einen Schritt zu tun, etwas zu wagen. Einen großen Schritt oder auch zwei, eine andere, unbekannte Richtung einzuschlagen. Farben der tiefen Entspannung durchströmen sie, Leichtigkeit und Achtsamkeit füllen ihren sich bewegenden Körper. Jetzt können neue Zeiten beginnen, rosa Zeiten die Zukunft verheißen, die nach einem Neubeginn verlangen und dieser kann möglich werden. Aber müsste sie dafür ihren STANDpunkt aufgeben?

geb. 1977 in Berlin (Ost), aufgewachsen in in Leipzig und Santiago de Chile, studierte sie Fotografie in
Buenos Aires, sowie Ethnologie an der Freien Universität Berlin und an der Université Denis Diderot Paris. In ihrer künstlerischen Praxis kombiniert Miriam Tamayo Fotografie, Textilkunst und Installation. Sie erforscht Texturen, Farbschichten und Oberflächen als Träger von Erinnerungen und kulturellen Narrativen.
In ihren digitalen Collagen verwebt sie Bildebenen zu imaginären Räumen zwischen Textur und Transparenz. Miriam Tamayo ist Künstlerin der GEDOK Berlin.

Der Ausstellungstitel ließ mich an Aldous Huxleys Schöne Neue Welt denken – eine Zukunft, in der die Menschen durch die Droge Soma von Zweifeln, Unglück, Enttäuschung und Wut befreit werden.Dieses staatlich verordnete Mittel hebt sie über die Niederungen des Lebens und löst einen künstlichen Zustand von Wohlbehagen und Seligkeit aus. Diese Vorstellung inspirierte meine digitale Collage Soma. In ihr verweben sich Fragmente, geschichtete Ebenen und ineinander verschachtelte Strukturen. Sie fügen sich zu einem schillernd vielfarbigen Ganzen zusammen. Es hinterfragt die Vorstellung von Seligkeit und Vollkommenheit in einer Welt von Ungewissheit, Zerwürfnis und Krieg.

Künstlerinnen der XANTHIPPE e.V. in der 1. Welle

1995 eröffnete die Berliner Fraueninitiative XANTHIPPE e.V. ihre eigene Plattform für die Vielfalt der Positionen professionell arbeitender Künstlerinnen. Die senatsgeförderte Galerie hat keinen festen Künstlerinnen-Stamm. In den 30 Jahren ihres Bestehens entwickelte sie sich zu einer europäisch und international ausgerichteten Institution.

Geboren 1955 in Konstanz
Studium der Malerei an der Hochschule der Künste Berlin (Meisterschülerin)
Lebt und arbeitet in Berlin

 ZERO FEAR
Statistiken über Femizide gibt es nicht mehr.
Frauen können ein Leben ohne Angst führen.
Frauen müssen keine Angst haben verletzt, beleidigt, angepöbelt, bedroht, belästigt, diskriminiert, degradiert, übergangen, schlechter bezahlt, gedemütigt, geschlagen, ermordet zu werden.
Niemals!  Nirgendwo!

1956 in Frankfurt am Main geboren
seit dem 5.Lebensjahr im Osten Berlins beheimatet
1974-77 Studium zur Bauingenieurin und Tätigkeit in diesem Beruf
1984-89 Tätigkeit als Modedesignerin für Modenschau „Maschenhits“
2017-2022 Studium der Malerei an der Akademie für Malerei Berlin
2022 Studienabschluss als Meisterschülerin von Ute Wöllmann
2022 Kurs bei Rosa Loy, an der Kunstakademie Bad Reichenhall
2023 zwei monatiger Studienaufenthalt in New York City
2023-2024 Kuratierung und Organisation einer Gruppenausstellung für 18 Künstler, in der Kunstanstalt Berlin Köpenick
2025 Eintritt in Xanthippe e.V.
Ich lebe und arbeite in Berlin – eine Stadt, die mit ihrer Vielfalt an Menschen, Eindrücken und Möglichkeiten eine stetige Inspirationsquelle für mich ist.
Ich schaffe farbintensive, figurative Arbeiten in einem surrealen Kontext. Ausgangspunkt vieler Werke sind Collagen aus Printmedien, die ich in einem assoziativen Prozess weiterentwickle. Diese Collagen stehen eigenständig oder dienen als Vorlage für großformatige Ölbilder.
Die Bildwelten sind bühnenhaft inszeniert: Reale Figuren begegnen comichaften Wesen, sie tanzen, musizieren, kommunizieren oder verharren in stillen Momenten. Im Zentrum steht dabei immer die Beziehung – zwischen den Figuren, zwischen Nähe und Distanz, zwischen Wirklichkeit und Vorstellung. Themen wie Freude, Irritation oder Verlorensein werden jenseits konventioneller Darstellungsformen sichtbar gemacht.
Durch das freie Kombinieren von Motiven und Techniken entsteht eine Bildsprache, in der sich Realität und Fiktion durchdringen. Das scheinbar Unvereinbare tritt in Beziehung – poetisch, humorvoll, manchmal verstörend. So entstehen Räume, in denen Fragen nach Identität, Zugehörigkeit und Wahrheit neu verhandelt werden können.

geboren in Reichenberg/Liberec,Tschechien
seit 1999 Mitglied in der GEDOK Berlin
seit 2007 Mitglied im VereinBerliner Künstler
seit 1998 lebe und arbeite ich auf dem Künstlerhof Frohnau e.V.
seit 1985 regelmäßige Ausstellungen

Ich stelle mir freundliche Utopien zwischen Mensch und Natur vor, zwischen Menschen und anderen Lebewesen oder politisch als Wunsch nach Verständigung und Frieden.
2024 habe ich mich dem vielfältigen Thema „Natur“ zugewandt und das auch in einer Art innerem Dialog mit der Natur, die mich hier auf dem Künstlerhof, im Frohnauer Wald umgibt.
Reflexionen über den Menschen, der nicht im Mittelpunkt des Universums steht, sondern Teil der Natur ist. Reflexionen über unseren Umgang mit den Lebewesen, mit denen wir uns den Planet Erde teilen. Betrachtungen über das Fremde, Geheimnisvolle und nie vollständig zu Ergründende, als Versuche einer Annäherung an ein großes Thema.

1938 in Köslin/Pommern (heute Koszalin) geboren
aufgewachsen in Mecklenburg
Studium an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig bei Wolfgang Mattheuer (Diplom)
Dozentin für Entwurf an der Fachhochschule für Werbung und Gestaltung Berlin
2 Töchter
Malerin/Grafikerin sowie Designerin und Projektmanagerin
Initiatorin von Berliner Salons unter Einbeziehung verschiedener Künste
Ausstellungen im In- und Ausland
Arbeits- und Wohnort Berlin

Portraits mit Potential
Köpfe strahlen Optimismus und Zusammengehörigkeit aus.
Gezeichnet und gemalt mit Kugelschreiber und Aquarell – mit links.
‚Potential‘ verweist auf das Unvollständige, auf den Moment des Entstehens, in dem die Linien noch Raum für das Unausgesprochene, für das Werden und Verändern auf der Welt lassen.

Die vom Menschen herbeigeführte Umweltzerstörung schafft Chaos, Katastrophen, Aussterben und Krisen. Sie zerstört Natur und menschliche Zivilisationen. Die Natur aber wird sich langfristig regenerieren und zu neuer Blüte erwachen, und daraus wird eine neue Grundlage für alles Leben entstehen. Dies ist die Utopie um, die es hier geht.
Meine Arbeit der letzten Jahre beschäftigt sich vorwiegend mit der Wechselwirkung zwischen Mensch und Natur. Die oben angesprochene Utopie bringe ich durch meine Bilder zum Ausdruck. Man sieht fragile Pilze, die mit ihrem gigantischen unterirdischen Wurzelwerk essentiell sind für jeden Wald. Schwarze, abgestorbene Korallen werden gezeigt aber auch solche, die bereits in der chaotischen Periode wieder zu buntem Leben erwachen.

1949 in Berlin geboren. Von 1975 bis 2000 Lehrerin für Englisch, Französisch und Bildende Kunst in Berlin. Seit 2001 freischaffend als Künstlerin tätig.
Mitgliedschaften: BBK Berlin, in der Kunstwerkstatt Treptow e.V., der Fraueninitiative Xanthippe e.V. sowie im Frauenmuseum Kunst, Kultur, Forschung e.V., Bonn.
Künstlerresidenzen: Schloss Wolfsburg in Traben-Trarbach; Schloss Haldenstein (CH) – durch Kulturaustauschs Treptow-Köpenick und Graubünden.

Die Utopie, die in meinen Bildern beschworen wird, lag für mich gleich auf der Hand, nämlich die freundliche Übernahme der Weltherrschaft durch das weibliche Geschlecht, eine Welt, in der Liebe, Harmonie und Frieden dominieren mögen und nicht rücksichtsloser Egoismus und kriegerische Grausamkeit, wie es leider seit jeher meist durch männlichen Einfluss der Fall ist.

1960
in Bischofswerda geboren
1990-1996
Studium Malerei und Freie Keramik, Hochschule Niederrhein Krefeld
1998-1999
Postgraduales Studium Multimedia-Design, Berlin
lebt und arbeitet seit 1997 in Berlin

In meinen Gemälden wird Architektur zur Metapher für die Vielfalt und das Zusammenwirken verschiedener Kulturen.  Die geometrischen Formen und intensiven Farben sind keine Darstellungen eines bestimmten Ortes, sondern verkörpern die Vorstellung einer Stadtlandschaft, in der Vielfalt und Gemeinschaft die Grundpfeiler des Miteinanders bilden und schaffen einen Raum der Offenheit, in dem unterschiedliche kulturelle Perspektiven nicht nur koexistieren, sondern sich gegenseitig bereichern.
Die Fassaden dieser imaginären Gebäude stehen für den Austausch von Ideen, für Orte der Begegnung und des friedlichen Miteinanders. Diese utopischen Bauwerke sind Zufluchtsorte – Inseln des Rückzugs und der Reflexion, aber auch Plattformen der Kreativität und des Neuanfangs. Sie formen einen „Archipel der freundlichen Utopien“, in dem die Vielfalt der Kulturen und deren Verflechtung die Grundlage für eine harmonische Zukunft bilden.

 

Künstlerinnen vom FRAUENMUSEUM BERLIN in der 1. Welle

Das Frauenmuseum Berlin wurde in den 90er Jahren gegründet und besitzt keinen festen Ausstellungsort. Das Künstlerinnen-Netzwerk lebt von immer neuen Ideen für gemeinsame Ausstellungen und Veranstaltungen, die in Galerien, Projekträumen und auf Festivals gastieren. Auf diese Weise bleibt das staubfreie Museum stadtweit im Gespräch. Die Kommunale Galerie Berlin hat sich als ein regelmäßiger Ausstellungsort manifestiert.

Nach einem Studium der Kunstgeschichte an der LMU München (1976-77) studierte Judith Brunner freie Malerei und Grafik an der Hochschule der Künste Berlin und graduierte 1984 als Meisterschülerin bei Allen Jones. Im Anschluß erhielt sie das Stipendium des DAAD für New York sowie das Stipendium der Karl-Hofer-Gesellschaft Berlin (1984 – 86). 1988 erhielt sie das Projektstipendium des Senats für Kulturelle Angelegenheiten, Berlin.
In den Jahren 1985 und 1990 arbeitete sie als Tutorin an der School of Visual Arts, New York.

 Mich motiviert ein tiefes Interesse am stetigen Wandel – sei es sozial/politisch, natürlich oder ökologisch – als Ausgangspunkt für künstlerische Prozesse und als Medium zur Transformation. Unser Umfeld verschiebt sich ökologisch wie politisch in rasanter Geschwindigkeit. Die Welt scheint auseinander zu brechen, die Lautstärke drohenden Desasters steigt an. Dem setze ich eine Vorstellung von Vielschichtigkeit entgegen: Acryl, Öl, irisierende Farbe oder Bronze werden überlagert. Dabei versuche ich, alles so zu verorten, dass sich dadurch eine atmosphärische Dichte ergibt. Ich stelle den einzelnen Schichten sowohl einen weichen (Pinselstrukturen) als auch einen harten (grafische Elemente) Raum zur Verfügung, sie kommunizieren und verstärken sich wechselseitig in einer Einheit, die weitläufig ist und doch ihre Strukturen, ihre Haltepunkte erfährt. Ich möchte, dass man sich an etwas anlehnen kann, bevor der Blick weiterwandert in dem angebotenen Feld. Ich verstehe Kunst als Medium, um aus Krisen positive Perspektiven zu entwickeln, schaffe Räume, in denen man sich positiv neu formiert. In unserem Jetzt sehe und liebe ich die unübertroffene Klarheit gotischer Linien ebenso wie impressionistische oder tachistische Meisterwerke, die Zeichensprache Australiens oder Afrikas – und setze diese tradierten Codes in dem Konglomerat unserer globalen Vernetzung neu zusammen. Der fließende Rhythmus von VIELZAHL rückt in den Vordergrund.

*1962 in Berlin
lebt und arbeitet in Berlin
1997 Diplom Freie Kunst KH Berlin-Weissensee
1998 Meisterschülerin bei Prof. Werner Liebmann
1999 Stipendium Stiftung Kulturfonds Haus Lukas Ahrenshoop
2007 Organisation „Coming Closer“ Kulturaustauschprojekt
2008 Organisation „Another China“ Kulturaustauschprojekt
2009-11 Organisation „The Banyan Tree“ Kulturaustauschprojekt
Seit 2010 „Camping Akademie“ Kunst- Kultur- und Bildungsverein
2013 Organisation „Exotika 2013“ Kulturaustauschprojekt
2017 Global-Stipendium Senat Berlin
2022 Stipendium Stiftung Kulturfonds
2021 Stipendium Neustart Kultur VG Bild

Artist Residencies in China, Japan, Thailand, Indonesien, Philippinen

 In meiner Malerei gehe ich vom Realen, Gesehenen aus, abstrahiere und filtere das für mich Wichtige, Wesentliche heraus. Die meisten Menschen dieser Welt leben in geordneten, gestalteten und strukturierten Lebensräumen. Dabei wiederholt sich vieles, wie zum Beispiel die klassische Hausform aus Horizontalen, Vertikalen und Winkeln. Ich male Bilder von Architektur-Orten, Ausschnitthaftes, Besonderes, das mir auffällt, mich begeistert. Häuser haben Gesichter, zusammengesetzt aus der Balance der Gewichtungen von horizontal und vertikal, den Details, seriell, musikalisch, rhythmisch, fröhlich, streng oder geheimnisvoll und, ganz wichtig, der Farben. In der Stadt gehe ich auf die Suche. Der Fotoapparat hilft mir dabei, die Fundstücke zu sammeln, in der Stille des Ateliers entstehen daraus zunächst Fotoausschnitte, dann die malerische Umsetzung auf den Flächen der Leinwände, gemalt mit Ölfarbe. Die Kompositionen leben von einer musikalischen Balance schlichter Flächigkeit, seriellen Details, ausgewogener Farbigkeit und der Auseinandersetzung mit Licht und Schatten. Beeinflusst bin ich vom Reisen, der Neugier und dem Staunen über Anderes und Neues, die mir die Neuentdeckung und Wiederhinwendung zum eigenen Umfeld immer wieder zu einer Überraschung werden lassen. Die Gebäude in verschiedenen Weltgegenden haben ihre Eigenarten, unterschiedliche Farbgebungen und nicht zuletzt u. a. von Klima und Kultur bestimmte Atmosphären.

Nach ihrem ersten Studium Textil design 1959–63 an der Fachhochschule für Kunst und Design Hannover erweiterte Margret Holz ihre Fähig kei ten über Malerei hin zu Skulptur, Fotografie und Druck. An der HdK Berlin bei Prof. Horst Hirsig und fakultativ bei Prof. Shinkichi Tajiri und in der Bildhauerwerkstatt Berlin 1983–87. Seit 1990 entstehen dreidimensionale Arbeiten in Stahl und Holz. Intensive Materialstudien schließen sich an, die seit 2022 zu den Shadowphenomena führen.
Durch Stipendien, 2000 GEDOK Lübeck, 2010 Bergen, Norwegen, 2012 Kassel konnte sie die Recherchen in Bezug auf ihre ortsbezogenen Unbekannten Manuskripte erweitern. Darin verbindet Margret Holz performative Skulptur, Sound und öffentlichen Diskurs. 2012 Berlin, 2014, 2016, 2017 Forst (Lausitz).
In Internationalen Bildhauersymposien, Pfäffikon 2022, Forst (Lausitz) 2013 / 2018, Davos 2008–09, entstehen ihre Skulpturen für den öffentlichen Raum.
Fotografische Arbeiten sind projektgebunden wie im Langzeitprojekt Pomona’s Library Walter Benjamin in Construction und im Rahmen des Europäischen Monats der Fotografie 2016, 2018 veröffentlicht.
Ihre Werke wurden in Institutionen und Galerien im In- und Ausland gezeigt, ebenso ihre kuratorischen deutschpolnischen und europäischen Projekte.
Margret Holz ist Mitglied im Deutschen Künstlerbund, sculpture network und seit 2022 im Künstlerinnen- netzwerk Frauenmuseum Berlin. www.mabois.de 

In Zwischenräumen und an den Rändern (der Gesellschaft) findet Wesentliches statt. In der Regel wird das übersehen. Licht erzeugt Schatten. In dieser reliefartigen Installation an der Wand entstehen durch die übereinander montierten Holzteile neue Räume, die Zwischenräume, Ränder. Aus diesen schattigen Raumrändern schieben sich Worte, auf transparentem Material handgeschrieben, hervor. Es sind Stichworte, Satzfetzen, die ich ständig unterwegs aufzeichne, zum Beispiel beim Stehen an einem Brückengeländer, im Café.

Künstlerinnen vom Verein der Berliner Künstlerinnen 1867 in der 1. Welle

Im Januar 1867 gegründet, stellt der Verein der Berliner Künstlerinnen 1867 die älteste Berliner Institution zur Förderung von Künstlerinnen dar. Ein Jahr nach der Gründung wurde eine Zeichen- und Malschule gegründet, in der viele später namhafte Künstlerinnen studierten, u.a. Käthe Kollwitz. Widerständig in der Zeit des Nationalsozialismus besteht der Verein in seiner großen Tradition bis heute fort.

*1964 in Zürich, 1987–91 Studium der Malerei an der Gerrit Rietveld Academie, Amsterdam

Ausgestoßen aus privaten Haushalten erstrahlen Alltagsgegenstände und Lampen wörtlich in neuem Licht. Sie bilden auf skurrile Art eine Auferstehung und Erleuchtung oder er­blühen etwa wie Blumen im Frühling. Diese vermeintlichen Nebensachen zeugen auf prägnante Weise von gesell­schaft­lichen Verhältnissen. Die Tatsache, dass so viele Lampen und anderes immer wieder auf der Straße landen, führten zum Leuchtkasten Emotional Enlightenment – ein gefundenes Objekt, bei dem ich die Schrift und das Design neugestaltet habe. So strahlt er jetzt in warmen freundlichen Farben. Die Aufklärung in jeder Hinsicht des Wortes oder das teilweise Scheitern daran, ist immer wieder ein Thema für mich. Auch die formale Ver­bindung des Wortes mit dem Medium Licht. (In Englisch geschrieben, weil das Wortspiel von Aufklärung und Erleuchtung da deutlicher ist.) Das scheinbare Paradox einer gefühls­bestimmten Erkenntnis lässt sich auch als eine auf Gefühle basierende, von ihnen hervorgebrachte Erleuchtung lesen, oder lädt zur Reflektion darüber ein, welchen Anteil Emotionen an jeder Art von Erkenntnis haben, oder ist Aufruf zur Klärung der Emotionen.
Die Arbeit Cultur What Cultur besteht aus gefundener Kleidung, die auf die Straße gesetzt wurde. Ich nähe sie auf einen Untergrund und bilde Buchstaben aus den einzelnen ganzen Kleidungsstücken. So bilden sie als neues Display die schriftliche Frage nach der Kultur oder den Kulturen, vom Nutzpflanzen- Anbau über Land­arbeiterinnen, Näherinnen, Gestalterinnen, Modebranche, Verbraucher*innen bis zur Künstlerin.

Künstlerinnen der alpha nova & galerie futura in der 1. Welle

1986 in Berlin von Uta Koch-Götze gegründet, verschränkt alpha nova & galerie futura eine dezidiert emanzipatorische und feministische Perspektive mit künstlerischer Praxis und Kulturvermittlung an Schnittstellen zu Wissenschaft und Politik. Die Entwicklung kritischer Standpunkte steht im Fokus. alpha nova & galerie futura ist in Berlin eine der wichtigsten Plattformen für Künstlerinnen und FLINTA*-Personen.

Magdalena Kallenberger (*1978, Sindelfingen) studierte Medienkunst an der Universität der Künste in Berlin und an der Willem de Kooning Academy in Rotterdam. Zwischen 2010 und 2017 war sie Professorin für zeitbasierte Medien in Kairo. Sie erhielt zahlreiche Auszeichnungen und Stipendien und war an internationalen Ausstellungen und Festivals beteiligt. Kallenberger ist Mitgründerin und aktives Mitglied des MATERNAL FANTASIES Kollektivs; sie ist Doktorandin an der Bauhaus Universität Weimar und war 2024 Stipendiatin der Friedrich-Ebert Stiftung (2019-24) und des Deutschen Künstlerbundes.
Mich interessieren Bilder, Wortbilder, Leerstellen, nicht vorhandene Bilder, Bilder, die nur in der Imagination entstehen, Bilder der Vergangenheit, Bilder, die Platzhalter sind für andere Bilder, Platzhalter für Erinnerungen, Erzählungen, unausgesprochene Ängste oder Wunschvorstellungen. Gleichzeitig interessiert es mich, sowohl in meiner individuellen als auch in kollektiver künstlerischer Arbeit mit MATERNAL FANTASIES sozialpolitische Themenfelder zu untersuchen, künstlerisch zu bearbeiten und zu verwandeln. Oft knüpfe ich an historisch-feministische und autobiografische Erzählungen an, z. B. in der Videoarbeit Rosenbach’s Nichten, 2025. Darin geht es um die Darstellung von Macht im Bild und um eine mögliche Reinszenierung von Ulrike Rosenbachs Fotomontage Art is A Criminal Action aus dem Jahr 1972. Das Video Von Träumen, Vom Träumen & feministischen Utopien, 2025 basiert auf meiner Recherche zur Künstlerinnengruppe Erfurt im Rahmen eines Stipendiums des Deutschen Künstlerbundes in 2024. Meine Arbeit mit MATERNAL FANTASIES Kollektiv zielt u. a. darauf, soziale Realitäten in eine fantastische Sichtbarkeit zu transferieren und gemeinsam Utopien zu entwickeln, wie in MATERNAL FANTASIES’ Serie First Supper, 2023

Juli Schmidt (*1986 in Stralsund) studierte Fotografie an der HGB Leipzig mit einem Gastsemester in der Klasse für Skulptur bei Prof. Monica Bonvicini an der UdK Berlin 2019/20 und schloss ihr Studium 2022 mit dem Diplom in der Klasse von Prof. Heidi Specker ab. Seit Beendigung des Studiums arbeitet sie kontinuierlich an individuellen künstlerischen Projekten, aber auch kollaborativ. Sie hat an verschiedenen Gruppenausstellungen im deutschsprachigen In- und Ausland teilgenommen, konzipiert, organisiert und leitet künstlerische Workshops und ist Performerin u.a. für das Künstler*innen-Duo Danila Lipatov und Karen Zimmermann. Im Juni 2025 hat sie ihre erste Einzelausstellung bei alpha nova & galerie futura. Juli Schmidt lebt und arbeitet in Berlin.

 Meine künstlerische Arbeit und Praxis begreife ich als eine kontinuierliche Auseinandersetzung mit Körpern, in der die Recherche nach Form und Materialität ähnlich fließend ist. Meine Herangehensweise gleicht einer beweglichen Assemblage, in der Foto­grafien, Videos, Objekte und Texte als individuelle Körper zirkulieren und sich zu kollektiven Körpern verbinden. Ich denke, auf eine Art sind wir alle Inseln und unsere Körper sind Inseln. Mal sind wir weiter voneinander entfernt und mal sind wir uns näher. Und es wäre schön, wir könnten uns in diesem riesigen Ozean verbinden, um miteinander und voneinander zu lernen. Meine Arbeiten laden nicht direkt zum Träumen ein, aber sie sind unkonventionell und bieten neue Perspektiven in Bezug auf Körper, die Verbindung von Körpern und die Beziehungen zwischen Körpern. Sie sol­len Lust auf Entdeckungen und Mut zu Visionen wecken. Daher arbeite ich aktuell hauptsächlich mit dem Medium Fotografie und nutze sie, um gesellschaftliche Verhältnisse zu beobachten, zu erkennen, zu benennen und konventionelle Deutungsschemata im Hinblick auf (nicht-)menschliche und soziale Körper aufzubrechen. Ich verstehe sie als Darstellungsmedium und soziale Praxis, um in soziale Strukturen zu intervenieren, (Un-)Sichtbarkeiten zu destabilisieren und strukturelle Machthierarchien sichtbar zu machen.

STARTEN SIE HIER EINEN VIRTUELLEN RUNDGANG DURCH DIE 293. AUSSTELLUNG
ARCHIPEL DER FREUNDLICHEN UTOPIEN / WELLE 1  in der INSELGALERIE Berlin

]]> 292. AUSSTELLUNG | FRESH LEGS 2025 https://www.inselgalerie-berlin.de/292-ausstellung-fresh-legs-berlin-2025/ Fri, 06 Jun 2025 14:59:57 +0000 https://www.inselgalerie-berlin.de/?p=34600

5.6.2025-27.9.2025  |  Vernissage: 4.6.2025, Donnerstag, 19 – 22 Uhr  |
Finissage: 27.9.2025, Samstag, 14 – 16 Uhr

International Exhibition FRESH LEGS BERLIN 2025
Eröffnung Galleri Heike Arndt DK: 4. Juni 19.00-22.00 Uhr
Ausstellung vom 5.6. – 27.9.2025
Eröffnung INSELGALERIE BERLIN: 5. Juni 19.00-22.00 Uhr
Ausstellung vom 6.6. – 26.7.2025

72 Künstler*innen | 31 Länder | 2 Galerien

2025 ➯ 30 Jahre Galerie für Bildende Künstlerinnen | ein Überblick über die Ausstellungen 2025

Austellungsraum in der Inselgalerie
Galleri Heike Arndt DK

Unter dem Titel FRESH LEGS BERLIN schreibt die Galerie Heike Arndt DK Berlin Friedrichshain jährlich einen internationalen OPEN CALL in allen Bereichen der Kunst aus. Auch in diesem Jahr ist die INSELGALERIE Berlin Partner dieses OPEN CALLs und gewährleistet damit eine noch größere Bandbreite an künstlerischen Positionen als in den Vorjahren. Ausgewählte Künstlerinnen und Künstler positionieren sich in beiden Galerien zu den Herausforderungen unserer Zeit und den daraus resultierenden Fragen an die Menschheit. Die Arbeiten richten sich an ein breites Publikum und bieten Raum für Reflexion und Inspiration, können aber auch verstörend und überraschend sein. Kommen Sie vorbei und erleben Sie die Magie der Kunst.

Tamara Schwieger (DE) | Jessica DiCosta (AU) | Kseniia Antipina (RU/DE) | Ellen Rouppe (NL) | Helga Raimondi (IT) | Vilma Leino (FI) | Juliane Block (DE) & Orla Wolf (DE) | Margret Kube (DE) | Skadi Engeln (DE) | Tine Deturck (BE) | Marta Checchetti (IT) | Merve (TR) | Hanne Sommer (DE) | Adelacreative (ES) | María Jimena Herrera (COL) | Sara Koppel (DK) | Tessa Ojala (FI) | Ala Leresteux (LT) | Stephanie Krumbholz (DE) | Nicole Pietrantoni (US) | Pia Möller-Light (DK) | Darina Kharaman (UA) | Donna Volta Newmen (DE) | Chris Dietzel (DE) | Ingrid Hoffstadter Visnovska (SK) | Renée Strecker (DE) | Giordano Cioni (IT) | Tal Garmiza (IL) | Tanja Kaleovski (DK) | Fabifa (BY) | Agata Hamilton (PL) | Corinna Rosteck (DE) | Dima Dobrovolskij (DE) | Filippa Bjerling (SE) | Kasey Smith (US) | Paula Wellmann (DE) | Ramsha Rubbani (PK) | Selma Eduarda Pereira (PT) | Sofia Gil de Biedma (ES) | Chansong Woo (KR-US)

Henrik Sandner (DK) | Adam Czech (PL) | Søren Bjælde (DK) | Viktoria Maria Werner (DE) | Iris Schabert (DE) | Brady Izquierdo Rodriguez (IE) | Ezhkova (DE) | Livson (FR) | Mark (FI) | Lisa Büscher (DE) | Oliver Ferch (DE) | Johanna Dreyer (DE) | Teresa Gruber (AT) | Vivia Wisperwind (DE) | Magdalena Rakowska (PL) | Milène Evers (NL) | Martin Grosman (CZ) | Rita Quattrocchi (IT) | Amani Moussa (EG) | Casey McKee (US) | Ingrid Slaa (NL) | Daniel Theiler (DE) | Eva Lauma (LT) | Hanna Heidt (DE) | Alessandra Svatek (CZ) | Csaba Pal (HU) | Friederike Meier (DE) | Kenneth Henckel (DK) | Kyoko Watanabe (JP) | Per Teljer (SE/NO) | Sophie Olive-Kuipers (CH) | Matthias Trott (DE) | Joana Lucas (PT)

Hier finden Sie den kürzesten Weg von der INSELGALERIE zur Galleri Heike Arndt DK in die Voigtstraße 12

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]]> 291. Ausstellung | DIE DREI LÜGEN DER SKULPTUR https://www.inselgalerie-berlin.de/291-ausstellung-die-drei-luegen-der-skulptur/ Fri, 04 Apr 2025 14:00:45 +0000 https://www.inselgalerie-berlin.de/?p=34412

28.3.2025-10.5.2025  |  Vernissage: 27.3.2025, Donnerstag, 19 – 22 Uhr  |
Finissage: 10.5.2025, Samstag, 14 – 16 Uhr

ELISABETH WAGNER | LILIAN NACHTIGALL | REGINE SCHULZ
Professorinnen und ihre Meisterschülerinnen III

2025 ➯ 30 Jahre Galerie für Bildende Künstlerinnen | ein Überblick über die Ausstellungen 2025

seit 2006 Professorin für Bildhauerei (Skulptur / Installation / Raumkonzept) an der Muthesius Kunsthochschule, Kiel
1996 – 2006 Professorin  für  Grundlehre, Freie Kunst, an der Muthesius-Kunsthochschule, Kiel
1992 – 1995 Künstlerische Assistentin an der Hochschule für bildende Künste Hamburg, Leitung der Klasse für Grundlehre
1991 – 1992 Vertretungsprofessorin an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe
1954 geboren in Neuenstadt / Württemberg lebt und arbeitet in Hamburg und Kiel

Ich mache Skulpturen. Sie stehen meist in einer Beziehung, zueinander, oder zum Raum und zur Ausstellungsarchitektur. Manchmal sind Elemente des Raums integraler Bestandteil meiner Arbeit. Heterogenität kennzeichnet mein Werk. Es ist minimalistisch, konzeptuell, und dann wieder narrativ.

Figuration und Abstraktion, die Verhältnisse von Bild und Abbild, Re-präsentation und Präsenz, von Illusion und Materialität greifen in meinen Arbeiten ineinander. Den Materialien und ihrer sichtbaren Bearbeitung kommen dabei besondere Bedeutung zu: Pappe, Gips, Rupfen, Ton, den Händen vertrauend, scheinbar lässig verarbeitet, oder Beton, Bronze usw. über Negativ gegossen.

Über das Wahrnehmen und Unterscheiden von formalen Aspekten entwickeln sich die Arbeiten, nehmen Gestalt an. Die alles verbindende Klammer in meinem Werk ist das Zulassen von Ambivalenzen und Illusionen, das Austarieren des Materials, die daraus entstehenden Spannung zwischen Leichtigkeit und Schwere.

Aus diesem Verhältnis der Polarität resultiert mein Tun. Und manchmal ist es die Faszination an der Kunst selbst, aus der Ideen erwachsen.

Bei den Arbeiten, die für Kunst am Bau / Kunst im öffentlichen Raum entwickelt werden, berücksichtige ich den Ort, die Architektur, und was die Menschen dort bewegen könnte. Aus diesen Überlegungen, und mit dem, woran ich im Atelier arbeite, bildet sich ein Entwurf, eine künstlerische Konzeption, die wie ein Gegenüber, oder wie ein Gegenbild zu dem Ort und seiner Architektur gelesen werden kann.

Februar 2023 Bachelorabschluss in der Klasse Wagner
seit 2019 Studium der Bildhauerei unter Prof.in Elisabeth Wagner an der Muthesius Kunsthochschule Kiel und Philosophie an der Christian-Albrechts-Universität zu Kiel
2018-2019 Grundlehre unter Prof. BKH Gutmann und Goffredo Winkler an der Muthesius Kunsthochschule Kiel und Philosophie an der Christian-Albrechts-Universität zu Kiel
2021 Gottfried-Brockmann-Preis 2021, Stadtgalerie Kiel
2020-2022 Künstlerische Mitarbeiterin in der Grundlehre der Freien Kunst an der Muthesius Kunsthochschule

Lilian Nachtigall wurde im Jahr 2000 in Kiel geboren. Seit Oktober 2018 studiert sie Freie Kunst an der Muthesius Kunsthochschule Kiel und Philosophie an der Christian-Albrechts- Universität Kiel. Von 2018 bis 2019 studierte sie bei Prof. BKH Gutmann und Goffredo Winkler. Nach der Grundlehre wurde Lilian Nachtigall von BKH Gutmann für das Stipendium des Cusanuswerks vorgeschlagen, welches sie seit Anfang 2020 erhält. 2019 wechselte sie dann in die Bildhauereiklasse von Prof.in Elisabeth Wagner. Seit 2021 erhält Nachtigall auf Vorschlag von Elisabeth Wagner das Stipendium der Studienstiftung des deutschen Volkes. Im November 2021 wurde Nachtigall für den Gottfried Brockmann Preis nominiert, der eine Gruppenausstellung in der Stadtgalerie Kiel beinhaltete. Mit der Bildhauereiklasse stellte sie 2021 im Ernst-Barlach-Haus in Hamburg aus.

1990 Geboren in Heide (SH)
2010-11 Grundlehre, Muthesius Kunsthochschule Kiel bei Prof. BKH Gutmann
2011-15 Bachelorstudium, Bildhauereiklasse, Muthesius Kunsthochschule Kiel bei Prof.In Elisabeth Wagner
2015-19 Masterstudium, Bildhauereiklasse, Muthesius Kunsthochschule Kiel bei Prof.In Elisabeth Wagner
seit 2019 Arbeit als freischaffende Künstlerin
seit 2022 Assistenz bei Thorsten Brinkmann und in der Galerie Mathias Güntner

Wie beiläufg abgestellt bewegen sich meine Skulpturen am Rande des eindeutig als Kunst Identifzierbaren.
Ich arbeite mit Materialien wie Zement und Stahl, welche von ihrer Ursprünglichkeit entfremdet, durch meinen Eingriff zu ihrer Herkunft zurückgeführt werden.
Dabei bestimmen die inhärenten Kräfte den Prozess, welche ich an ihre Grenzen bringe. Ab wann wird ein Zementhaufen zum Berg? Was verändert sich, wenn ich den Berg stürze oder auf Stelzen stelle? Ich dringe in die Erscheinungen ein und versuche sie aus verschiedenen Perspektiven zu beleuchten, zu verstehen und zu verändern. Wie aus ihrer Topographie entnommen, sind die Skulpturen in einen anderen Kontext gesetzt. Die Installationen bzw. Skulpturen fordern ein, sich körperlich zu ihnen zu verhalten.

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]]> OPEN CALL Fresh Legs 2025 – Bewerbungen vom 1. März bis 31. März 2025 https://www.inselgalerie-berlin.de/open-call-fresh-legs-2024-bewerbungen-vom-1-maerz-bis-31-maerz-2024-2/ Sat, 01 Mar 2025 15:01:11 +0000 https://www.inselgalerie-berlin.de/?p=34399
www.heike-arndt.dk/

OPEN CALL FRESH LEGS 2025

Bewerbungen vom 1. März bis 31. März 2025 (letzter upload 11.30  Uhr)

FRESH LEGS ist unsere neueste Ausstellungsinitiative mit der wir Malerei, Skulptur, Illustration, Zeichnung, Streetart, Foto, Kurzfilm, Animation und verwandte Bereiche präsentieren möchten. (Keine Grafik/Multiple Auflagen ausser Fotografie) Gemeinsam mit unserer neuen Kooperationspartnerin, der INSELGALERIE Berlin, schaffen wir in dieser Sonderausgabe unserem Publikum eine Plattform, sich zu treffen und gemeinsam die Kunst in diesen Bereichen zu diskutieren. Noch unbekannten aber auch etablierten Künstler*innen bieten wir hier somit Ausstellungsplatz und Inspiration.

Auf 190 qm präsentiert die INSELGALERIE ausschließlich die Arbeiten von bildenden Künstlerinnen, gleich ob Malerei, Skulptur oder crossover-Techniken. Die Galerie besteht seit 1995 und ist mit diesem konsequenten Programm einzigartig in Berlin.

Über FRESH LEGS
Die Ausstellungen sind seit 2013 ein großer Erfolg. Den Künstler*innen gemeinsam ist, über Menschlichkeit und unsere jetzige Lebensweise nachzudenken und das in ganz verschiedenen Medien und unterschiedlichen Techniken abzubilden. Einigen Künstler*innen wird ebenfalls die fantastische Möglichkeit geboten im darauffolgenden Herbst an einer Ausstellung in Dänemark teilzunehmen.

Wer kann sich bewerben:
Alle professionellen Künstler*innen

Wann kann ich mich bewerben:
Deadline: Einsendeschluss: 01. März – 31. März 2025 (letzter Upload 11:30Uhr MEZ)
Bewerbung: Daten bitte in Englisch ausfüllen, da unser Kuratorenteam international ist.

Nur wenn Sie zur Ausstellung zugelassen werden, das heißt beim Screening ausgewählt werden und von unserem Kuratorium danach schriftlich zur Zusendung der Werke aufgefordert werden, schicken Sie bitte Ihre Arbeiten in einer sicheren Verpackung zur nachfolgenden Adresse und fügen Sie bitte der Sendung eine Beschreibung der Werke sowohl auf der Rückseite als auch auf einem separaten Dokument bei.

Für Werke die an uns unaufgefordert geschickt werden, übernehmen wir keine Haftung.

Die Bewerbungsform finden Sie nachfolgend in diesem Text unten auf dieser Seite! Bitte lesen Sie aufmerksam die verlangten Spezifikationen der hochzuladenden Bilder und Dokumente und berücksichtigen Sie diese.

Ausstellungszeit FRESH LEGS
Juni – Oktober 2025 in der Galleri Heike Arndt DK und
6. Juni. – 26. Juli 2025 in der INSELGALERIE

Es gibt keine Anmeldungsgebühr.
Wenn die Arbeiten für die Ausstellung akzeptiert sind, ist das Verpacken, Senden zur und von der jeweiligen Galerie sowie den Abschluss einer Versicherung die/der  Künstler*in verantwortlich. Die ausgewählten Arbeiten müssen uns für 12 Monate zur Verfügung stehen, um diese in nachfolgende Ausstellungen implementieren zu können. Bitte beachten Sie, dass alle Werke zum Verkauf stehen müssen.

Für die die angenommenen Künstler*innen wird eine einmalige Ausstellungsgebühr von 38 Euro erhoben, um die Ausgaben für Druckvorlagen, Flyer, Poster und eventuell auch einen kleinen Katalog mitzufinanzieren.

Die Galleri Heike Arndt nimmt bei Verkäufen der Arbeiten eine Servicefee von 30-50% des Verkaufspreises abhängig vom Material. Die Servicefee enthält die geltende Mehrwertsteuer.

Bitte denken Sie daran, dass die Galerie keinerlei Verantwortung für den Verlust oder Beschädigungen der Arbeiten bei Transport, Installation und während der Ausstellung übernimmt.

Wir können Ihnen aber versichern, dass wir die Werke mit absoluter Vorsicht behandeln und wir in 25 Jahren bisher keine Schäden zu verzeichnen hatten.

Hier finden Sie Antworten zu typischen Fragen :
>>>>> FAQ Open Call Fresh Legs

Schicken Sie Ihre Arbeiten, wenn dazu schriftlich aufgefordert bitte an:

Galleri Heike Arndt DK,
Voigtstrasse 12,
10247 Berlin, Germany, Tel: +49 (0)30 48 62 41 52

Oder an :
INSELGALERIE Berlin
Petersburger Str. 76A,
10249 Berlin (Germany) Tel: +49 (0)30 28 42 70 50

Ist Ihre Bewerbung erfolgreich hochgeladen, bekommen Sie nach ca. 5 -10 Minuten eine mail !

]]> 290. Ausstellung | MEERESSTERN https://www.inselgalerie-berlin.de/290-ausstellung-meeresstern/ Thu, 09 Jan 2025 14:04:54 +0000 https://www.inselgalerie-berlin.de/?p=34005

24.1.2025-8.3.2025  |  Vernissage: 23.1.2025, Donnerstag, 19 – 22 Uhr  |
Finissage: 8.3.2025, Samstag, 14 – 16 Uhr

M E E R E S S T E R N

 RUTHI HELBITZ COHEN | MONIKA FUNKE STERN | MARIA KORPORAL

2025 ➯ 30 Jahre Galerie für Bildende Künstlerinnen | ein Überblick über die Ausstellungen 2025

1969 geboren in Israel
Malerin und Installationskünstlerin.
Dozentin am Oranim College im multidisziplinären Lehrprogramm für Geisteswissenschaften und Kunst MED, Kurator und von ABR-basierter Reen. Unterrichtet im BED-Programm für Kunststudien.
Dozentin am Beit Berl Art College und verantwortlich für die internationalen Beziehungen des Colleges.
Lebt und in Israel und im Ausland.

Kunst im luftleeren Raum – Ruthi Helbitz Cohen
In ihrem Werk untersucht Ruthi Helbitz Cohen die aktuelle condition humaine, oder besser gesagt die condition féminine. Ihre Leinwände und Installationen sind gefüllt mit halbtransparenten Frauenkörpern, die von Pflanzen, Tieren oder losen Körperteilen umgeben sind. Wie ein Wissenschaftler ein Tier seziert, so nimmt Helbitz Cohen Körper auseinander und setzt sie wieder zusammen wie ein Puzzle, das nicht ganz richtig ist. Ihre Figuren sind keine Porträts, sondern Archetypen. Obwohl die Künstlerin eine sehr persönliche Symbolik verwendet, sind die Hauptfiguren in ihrem Werk universell.
Text zu: Kunst im luftleeren Raum, Museum de Fundatie, Zwolle/Niederlande

Ruthi Helbitz Cohen beschäftigt sich in ihren Arbeiten mit Themen wie Weiblichkeit, Geschlecht und den kulturellen Rahmenbedingungen für die Darstellung von Frauen. Ihre Figuren schöpfen aus ursprünglichen Quellen – Mythologien, Geschichten und deren verschiedenen Inkarnationen in der Kunst und Populärkultur. Sie erzählen Märchen, Albträume, Träume und Legenden, oft mit schmerzhafter Intensität. Diese Figuren wirken stimmlich, als würden sie Gedichte rezitieren, schreien oder murmeln. Sie sind unabhängige Wesen, die sich in der Welt bewegen und dabei sowohl Herausforderungen als auch Entschlossenheit zeigen. Indem sie sich der Angst und dem Zweifel aussetzen, suchen die von Cohen porträtierten Frauen nach Antworten und vielleicht auch nach Zuflucht.
Text: International Studio & Curatorial Program, New York 2024

Medienkünstlerin, Malerin, Fotografin, Regisseurin, Autorin,
Doktor der Philosophie.
1973-1986 Lehraufträge und Assistenz am Fachbereich Visuelle Kommunikation an der Universität der Künste Berlin.
Gründung der Galerie „Die Werkstatt e.V.“ Berlin.
Freie und TV-, Kurz- und Spielfilmproduktionen. Experimentelle Videos, Installationen.  Planung und Aufbau des Videostudios“ Confu- Baja Video“
Workshops, Ateliers und Lectures in Italien, Frankreich, Brasilien, Elfenbeinküste, Nigeria, Kamerun, Gambia, Philippinen.
1987- 2008 Professur für Film/Video am Fachbereich Design der Fachhochschule Düsseldorf. Teilnahme an Auswahlkommissionen und Jurys
Mitglied der Deutschen Filmakademie, des BVBK- Brandenburg, Kunsthaus Potsdam, Brücke Kleinmachnow, Verein Berliner Künstler VBK

Lebt und arbeitet in Falkensee, Atelier Panzerhalle Groß-Glienicke/Potsdam und Simejis bei Jalta, Krim/Russland

Die reiche Bilderwelt des katholischen Glaubens hat Monika Funke Stern als Kind zutiefst beeindruckt und ebenso verstört. Längst hat sie sich von der Kirche distanziert, aber deren barocke Phantastik lebt weiter in ihren Bildern, Schriften und Filmen, die seitdem eher subversiv daherkommen. Ein frühes Beispiel ist das Buch „Am weißen Sonntag trugen Mädchen schwarze Lackschuhe“, 1979, Rotbuch Verlag, das sich wie ein Storyboard zum katholischen Rheinland und zur Adenauer-Ära liest.
Die großformatigen Fotografien „Lilie“ und „Rose“ beziehen sich auf die Marienverehrung, sind Sinnbilder, zugleich sinnliche erotische Darstellungen des weiblichen Geschlechts. Der Meerstern, der die Schiffe lenkt und versenkt, wird in verschiedenen Szenen aufgewühlter Wellen, des wütenden Meeres angerufen. „Um Mitternacht sahen wir stehendes Eis“, so staunte Chamisso auf seiner Weltumsegelung, als er am Nordpol angekommen die Eisberge sah. „Diluvium“ beschwört sowohl die alttestamentarische Sintflut als auch den Klimawandel. „Terrorismus und Glaube“, eine Familienaufstellung. In den Wellen des Schwarzen Meers spiegelt sich der „Engel mit Schwert“. „Paradise lost“, die Begegnung mit dem Tod, „Burbulina“, die Piratin der Meere, „Zerreißprobe“, das Sinnbild des Agnostizismus.

Geboren 1962 in den Niederlanden. Von 1981 bis 1986 Studium Grafik, Malerei, Fotografie und Film an der St. Joost Akademie für Bildende Kunst in Breda. Von 1986 bis Ende 2013 lebt und arbeitet sie in Italien, seitdem in Berlin. Aktives Mitglied des Vereins Berliner Künstler und des Projektraums GG3 – Kunst und andere Nachhaltigkeiten in Berlin. Ihre Videos werden in Italien von VisualContainer in Mailand vertreten. Sie wurden auf zahlreichen internationalen Festivals gezeigt: Kuba, Griechenland, Spanien, Russland, Deutschland, Polen, Italien, Frankreich, Ungarn, Brasilien, Bulgarien, Portugal, Slowakei.

In der Werkreihe „Qorporal Quests“ reagiere ich auf Herausforderungen der digitalen Welt in Krisenzeiten, indem ich analoge und digitale Techniken kombiniere – Kohlezeichnungen und Daumenkinos bis hin zu virtueller Realität, Augmented Reality und künstlicher Intelligenz. Nach Arbeiten zu Wissenschaft, Klimawandel und Künstlicher Intelligenz widme ich mich in meinem jüngsten Werk „Qalvinist Qosmos“ der Religion. Seit meinem zwölften Lebensjahr Atheistin, wuchs ich in den Niederlanden in einer calvinistischen Familie auf – eine Prägung, die bis heute nachwirkt.
Für „Qalvinist Qosmos“ zeichne ich live in der INSELgalerie während der Ausstellung auf die Wand. Inspiriert durch das calvinistische Gemälde „Der breite und der schmale Weg“, füge ich der Zeichnung Codes hinzu, die beim Scannen animierte Augmented-Reality-Szenen erzeugen. Zentrales Motiv ist das Auge Gottes, das – wie in meiner Kindheit – jeden meiner Schritte überwacht. Ein spezieller Code auf meinem Rücken lässt während des Zeichnens weiße und schwarze Flügel erscheinen, sodass Engel und Teufel symbolisch Besitz von mir ergreifen, während ich den „breiten oder schmalen Weg“ betrete.
Begleitet wird die Installation von meinem neuen Video-Werk „As the deer pants“, in dem ich geflügelt den schmalen Pfad entlanggehe, während gezeichnete Animationen meinen Weg kreuzen. Diese Werke reflektieren einerseits meine persönlichen Erinnerungen, andererseits untersuchen sie die heutige Rolle des Calvinismus.

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]]> ANDERSDENKEN | Sonder-Ausstellung in der INSELGALERIE | 15.+16.12.2024 https://www.inselgalerie-berlin.de/andersdenken-sonder-ausstellung-in-der-inselgalerie-berlin-15-16-12-2024/ Sun, 15 Dec 2024 15:57:35 +0000 https://www.inselgalerie-berlin.de/?p=34059

ANDERSDENKEN

Sonder-Ausstellung in der INSELGALERIE Berlin
Sonntag, 15. Dezember, 12 bis 17 Uhr und Montag, 16. Dezember, 12 bis 17 Uhr

Wir zeigen ausgewählte Comic-Zeichnungen von Berliner Schüler:innen, die in den sechs Werkstatt-Tagen ANDERSDENKEN mit Anna Faroqhi und Haim Peretz im November 2024 entstanden sind.

Am Beispiel des Lebens von Helene Nathan, Anna Seghers und Hannah Arendt ging es darum, was Demokratie ist und was Freiheit bedeutet, wie diese Werte während der Nazidiktatur abgeschafft wurden und warum es auf jeden Einzelnen ankommt, damit so etwas nie wieder geschieht.

Alle sind herzlich eingeladen!

Der Eintritt ist frei.

Impressionen während des Workshops

>>klick auf ein Bild zum Vergrößern!<<

Die Workshop-Reihe ANDERSDENKEN wurde durch die Berliner Landeszentrale für politische Bildung gefördert.

]]> 289. Ausstellung | UNRUHIGE SALTATIONEN https://www.inselgalerie-berlin.de/289-ausstellung-unruhige-saltationen/ Fri, 11 Oct 2024 16:46:13 +0000 https://www.inselgalerie-berlin.de/?p=33813

11.10.2024-11.1.2025  |  Vernissage: 10.10.2024, Donnerstag, 19 – 22 Uhr  |
Finissage: 11.1.2025, Samstag, 14 – 16 Uhr

UNRUHIGE SALTATIONEN

ANDREA ZAUMSEIL UND ALUMNAE

 MICHAL FUCHS | GINAN SEIDL | ANDREA ZAUMSEIL

VERNISSAGE mit einer Performance von KRISTINA BUKETOVA
musikalisch begleitet von Tomy Suil
KÄGU /est/KUCKUCK/de/ – inspiriert von Victor Tsois Lied „KUCKUCK“ 1991

1988 in Narva/Estland geboren
1992-2008 Tanzausbildung an verschiedenen Tanzschulen in Estland und erlernt Tanzstile wie Standard, Jazz und zeitgenössischen Tanz
Seit 2015 arbeitet als freie Tänzerin, Workshop-Leiterin im Bereich physisches Tanztheater
2014-17 Studium an der Hochschule Burg Giebichenstein Klasse für Malerei und Textile Künste
2017-19 Studium an der Hochschule Burg Giebichenstein Klasse für Bildhauerei Metall
2020 Meisterabschluss an der Hochschule Burg Giebichenstein mit Schwerpunkt auf Performance Kunst und Zeichnung

Die Performance ist ein Prozess, der nicht in letzter Konsequenz geplant werden kann. Es wird ein Bild kreiert, geprägt von subjektiven Vorstellungen. Das Bild entfernt sich, sobald die Aktion beendet ist. Das Bild selbst existiert nicht mehr körperlich/physisch. Es wird von der Ebene der körperlichen Präsenz in die kognitive Ebene der Erinnerung übertragen. Wo befinden sich die Grenzen zwischen An- und Abwesenheit der ursprünglichen Idee, den Handlungen und körperliche Präsenz?
Den Augenblick ergreifen, verwerfen und neu beginnen. Wandlung.

2018-2020
Diplom in Bildhauerei Metal, bei Prof. Andrea Zaumseil, Burg Giebichenstein Kunsthochschule, Halle

2014-2018
Buchkunst Studium, bei Prof. Sabine Golda, Burg Giebichenstein Kunsthochschule, Halle

2007-2009
Kunsthochschule ‘Naggar Multidisciplinary School of Art, Musrara’ Jerusalem

2005-2006
Israel Hirschberg schule für Klassische Zeichen, Jerusalem

Es sind Pflanzen, die den Ausgangspunkt für das künstlerische Schaffen von Michal Fuchs bilden. Mit bewusst gewählter Distanz stellen die Arbeiten einen Bezug zur persönlichen Diaspora der Künstlerin her, indem sie den Wachstumsprozess der lebendigen Organismen fokussieren: Scheinbar unabhängig von äußeren Einflüssen wird eine Veränderung, eine ständige Bewegung im Inneren ausgeübt. Gleichzeitig finden Eisen und Beton so fein gearbeitet Verwendung, dass sie Metaphern zu Themen wie Migration, Entwurzelung und Heimat entstehen lassen. Die Spannung zwischen unbelebten Materialien und organischen Objekten wird dabei zum Forschungsgegenstand. Mythen und Begriffe aus der jüdisch-israelischen Welt recherchiert Fuchs, um diese – über eine Transformation und Neuinterpretation – in derselben Diaspora in Deutschland wieder zu verorten.

2023
Dr.Artium an der Universität für Musik und darstellende Kunst, Wien
2022
PEERS-Teilnehmerin vor P.h.D-Programm der ZHdK
2021
BBK Neustart Fonds für künstlerische Intervention, Lehre an der HGB Leipzig
2019
BKM-Förderung für „Farah“
2018
Berlinale Talents, Residenz Beirut Backstory Goethe Institut
2015
Arbeitsstipendium der Kunststiftung Sachsen-Anhalt
2013
EMARE-Mexiko-Stipendium
2012
Diplom an der Kunsthochschule Burg Giebichenstein
2010
Atelierstipendium in Istanbul
2008 – 2009
Auslandsstudium in México-Stadt, ENAP

Die Künstlerin und Filmemacherin deutsch-irakischer Abstammung erforscht die Grenzen zwischen dokumentarischem und fiktionalem Filmemachen und Videoinstallationen, in denen das Fabulative zu einer poetischen und wesentlichen Erweiterung des dokumentarischen Materials wird. Sie erforscht verschiedene Perspektiven und Kosmogonien, um mit filmischen Mitteln in Beziehung zu treten, zu lernen und neue Formen des Austauschs, der Wissensproduktion und des Erlebens zu finden.
Sie ist Teil des FILZ-Kollektivs und Co-Kuratorin des alle zwei Jahre stattfindenden Expanded Media Festivals paradoks in Leipzig.
https://filz.works/de; https://para-doks.de/

1957
geboren in Überlingen/ Bodensee

1977-79
Studium der Germanistik und Geschichte an der Universität Konstanz

1979-85
Studium der Bildhauerei an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart

2002-22
Professur für Bildhauerei/ Schwerpunkt Metall an der Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle

Ich bin Bildhauerin und Zeichnerin. Meine oft großformatigen Pastellkreidezeichnungen sind stark vom dreidimensionalen Denken geprägt. Sie beschreiben Räume, Landschaften, Meer, Himmel, Körper im Raum. Sie sind Suche nach Verortung in der inneren und äußeren Welt. In meinem zeichnerischen Werk, das sich im Grenzbereich zur Malerei ansiedelt, verwende ich ausschließlich schwarze Pastellkreide. Die in der Ausstellung gezeigten Zeichnungen aus der Serie „Sturm“ (2024) handeln von vorwärts drängender Bewegung, sie bilden ein starkes Gegenüber: Sandsturm, vielleicht Gischt, aufgewirbelte Staubwolken, Folge von Stürmen, Einschlägen, Detonationen, Eruptionen.

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Ginan Seidl, Why can‘t we speak about the Jinn, 2024, 2-Kanal-Videoinstallation

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STARTEN SIE HIER EINEN VIRTUELLEN RUNDGANG DURCH DIE 289. AUSSTELLUNG
UNRUHIGE SALTATIONEN

]]> 288. Ausstellung | NEXT LEVEL SH*T https://www.inselgalerie-berlin.de/288-ausstellung-next-level-sht/ Wed, 17 Jul 2024 16:03:09 +0000 https://www.inselgalerie-berlin.de/?p=33566

16.8.-28.9.2024  |  Vernissage: 15.8.2024, Donnerstag, 19 – 22 Uhr  |
Finissage: 28.9.2024, Samstag, 14 – 16 Uhr

ANNA BERNDTSON | VERUSCHKA BOHN | KIM DOTTY HACHMANN | KIKA NICOLELA | JU SCHNEE

Geboren 1972 in Malmö, Schweden, lebte, arbeitete und studierte in England und Deutschland. 1999 Abschluss ihres Studiums am Dartington College of Arts in Großbritannien; 2001 Eintritt in die Performanceklasse von Marina Abramović an der HBK Braunschweig, hier 2005 Diplom in Bildender Kunst. Sie unterrichtet und gibt Workshops in Performance. Seit 2003 Zusammenarbeit mit der deutschen Künstlerin Irina Runge im Performance-Duo TBL (TallBlondLadies). Zu TBL gesellten sich Corinna Siebert und Kathrin Jobczyk, die 2019 die neue Multimediagruppe plan42 mitbegründeten.
Lebt und arbeitet heute in Malmö und Berlin.

Long Duration Live Performance Art, die für gewöhnlich in Galerien und Museen, in der Natur oder im urbanen Raum gezeigt wird, ist die Grundlage meiner künstlerischen Praxis. Diese Kunstform basiert auf dem zeitlichen Fokus der Künstlerin und ist in der Präsenz der Künstlerin und des Publikums in derselben Zeit und im selben Raum verankert.
Ich überprüfe meine Arbeitsmethoden ständig und verwende häufig neue Mittel, um den Fokus auf das Wesentliche zu halten. Durch die lange Dauer der Performance dehne ich meine physische Präsenz im Raum aus und schaffe so eine ephemere und authentische Erfahrung, die in meinen Handlungen festgehalten wird, was wiederum ein bleibendes Bild erzeugt, und das Werk konkretisiert. Fokus, Disziplin, Humor und Ästhetik sind die Grundlagen all meiner Performances, Videos, Fotografien, etc.

Veruschka Bohn studierte Film, Fotografie und Malerei an der Hochschule für Gestaltung, Offenbach, wo sie 2015 mit der Videoperformance How to Graduate from Art School ihren Abschluss machte.
Seit 2018 entwickelt sie in Zusammenarbeit mit dem Berliner Medienkunstkollektiv Humatic kinetische Installationen, Videokunst und Performances.
Ihre interdisziplinären Arbeiten wurden in Institutionen wie dem National Taiwan Museum of Fine Arts (Taichung), dem Kaohsiung Museum of Fine Arts, der Galerie Bernau und dem Nassauischen Kunstverein Wiesbaden präsentiert und mit internationalen Preisen ausgezeichnet.

In einer von politischer Polarisierung, Hetze und Werbeflut geprägten Welt erhebt Veruschka Bohn, bekannt als V3, Stimme und Körper als Zeichen des Widerstands. V3s Arbeiten reichen von Timelapse-Videos und Landschaftsperformances über Slow-Motion-Zeichnungen bis hin zu kinetischen, teils interaktiven Installationen, die in Zusammenarbeit mit dem Medienkollektiv Humatic entstehen.
Innerhalb eines Netzwerks auch mit anderen KünstlerInnen, wie dem feministischen Kollektiv Pussy Riot, trägt V3s Kreativität zu starker Wirksamkeit bei.
In dieser Ausstellung präsentiert sie zwei Stationen ihrer Performance-Serie Däischa Wüh [haikschonjesehn], die sie in Schaukästen und Schaufenstern – als Schnittstelle zwischen Kunstinstitution und öffentlichem Raum – platziert.
Ihre solistische Eröffnungsperformance thematisiert die Herausforderungen, die sich angesichts der wachsenden Popularität von KI an KünstlerInnen und Kunstpublikum stellen.

Kim Dotty Hachmann geboren 1974 in Hamburg, lebt und arbeitet in Berlin. 1996–2004 Studium Visuelle Kommunikation und freie Kunst mit Schwerpunkt Neue Medien, Kunsthochschule Kassel (KhK) bei Bjørn Melhus, Rolf Lobeck, Nicolaus Ott, Bernard Stein; Abschluß mit Auszeichnung, Meisterschülerin der Professoren Ott und Stein. 2002 KhK Hochschulpreis, weitere Auszeichnungen folgten. Seit 2001 Teilnahme an internationalen Ausstellungen und Medienkunstfestivals sowie weltweite Stipendien und Artist-in-Residence-Programme.

lil bro ist inspiriert durch das fokusierte Muskeltraining meines jüngsten Sohnes und der Idee mittels der neue Technologie von Augmented Reality zwei traditionelle künstlerische  Darstellungsformen gegenüberzustellen. Zum einen das klassische Studio-Portrait, zum anderen die Abbildung des menschlichen Körpers in Bewegungsabfolgen, wie Eadweard Muybridge sie untersucht und in seiner Chronofotografie dargestellt hat.

Pulsar lässt dich (oder Sie) an dem magischen und zugleich tief bewegenden Moment der Geburt meines zweiten Sohnes teilhaben. Durch das Tönen rückverbunden mit uraltem Frauenwissen konnte ich in einer Art Trancezustand meine Kinder selbstermächtigt zur Welt bringen. Beide Geburten waren für mich intensive Erfahrungen der Verbundenheit mit dem Leben und ich empfinde meinen Frauenkörper als ein großes Geschenk.

Kika Nicolela ist eine brasilianische Künstlerin und unabhängige Kuratorin, sie lebt in Brüssel.
Das Studium der Filmwissenschaften an der Universität von São Paulo schloss sie mit dem Master of Fine Arts an der Zürcher Hochschule der Künste (ZHDK) ab.
Seit zwei Jahren arbeitet sie intensive mit KI- und NFT-Technologien. Seit kurzem wurde sie zur Chefkuratorin von Objkt und Objkt.one ernannt, zwei der wichtigsten NFT-Kunstplattformen auf der Tezos-Blockchain.
Zahlreiche Einzel- und Gruppenausstellungen, u. a. im KW Institute for Contemporary Art (DE/Berlin), das Museum of Image and Sound (BR/ São Paulo), das National Museum of Contemporary Art of Chiado (PT/Lissabon), das Museum of Modern Art (USA/NY; AR = Augmented Reality), der, Parc de La Vilette (FR/Paris) die Villa Empain/ Boghossian Foundation (BE/Brüssel) und GL Strand (DK/Kopenhagen).
Ihre Videos wurden auf Festivals in mehr als 30 Ländern gezeigt und ausgezeichnet.

Fühle mich, 2023
Videoanimation in Zusammenarbeit mit AI, 07’24“, 1920 x 1080 Pixel, Unikat
Feel Me ist das umfangreichste Bewegtbildwerk von Kika Nicolela, das in Zusammenarbeit mit AI entstanden ist. Als Teil ihrer Serie, die den Oktopus als Leitmotiv erforscht, bietet Feel Me eine Reihe von bewegten Tableaus, die aufeinander folgen und das von japanischer Tentakel-Erotik inspirierte Universum der Künstlerin erweitern. In ihrer Perspektive fungiert der Oktopus als Kanal für innere Wünsche, Fantasien und Ängste, während die hybriden Körper ihrer Serie Queerness und nicht-normative Körper feiern.
Nicolela hat in den letzten zwei Jahren intensiv mit einer Reihe verschiedener KI-Tools gearbeitet. Sie glaubt, dass wir in einem einzigartigen Moment der Geschichte leben, mit frühen prompt-to-Image-KI-Modellen, die zwar nach Perfektion streben, aber immer noch eine Menge Fehler, Unvollkommenheiten und seltsame Körper und Formen erzeugen. Diese Seltsamkeit ist vielleicht die visuelle Darstellung der Geräusche im Dialog zwischen Mensch und Maschine – und sie bietet dem Betrachter oft etwas Beunruhigendes und Neues, das auf keine andere Weise erreicht werden kann.
In Feel Me interessiert sich Nicolela besonders für die neuen Bild-Videomodelle, die viele Artefakte und unmögliche Körper und Bewegungen erzeugen. Jedes Tableau animiert ein Bild, das die Künstlerin mit einem generativen Langzeitprojekt produziert hat, das sie seit Monaten verfeinert.
In den Kompositionen wimmelt es von hybriden Gebilden – teils menschlich, teils Krake, teils Pflanze –, in denen Haut, Gliedmaßen und Organe in einem provokanten Tanz von Formen verschmelzen, die sich der Konformität entziehen und die Störung willkommen heißen.

Ju Schnee, eine ultrazeitgenössische Künstlerin, die derzeit in Wien lebt, wurde in Graz geboren und lebte die letzten fünf Jahre in Berlin, wo sie mit ihren AR-Ölgemälden begann.

Vorwiegend in der Ölmalerei tätig, integriert Ju Schnee nahtlos das Reich der Augmented Reality (AR) in ihre Kunst. Ihr Werk dient als experimentelle Leinwand, auf der sie die Synergien zwischen traditionellen Medien und modernster Technologie erforscht. Ihre Faszination für AR, künstliche Intelligenz (KI) und andere aufkommende Technologien treibt sie dazu an, die Grenzen des künstlerischen Ausdrucks zu erweitern. Während ihr künstlerisches Repertoire einzigartige Skulpturen umfasst, dreht sich der Kern ihrer Arbeit stets um abstrakte, intuitive Formen, die oft das Wesen von Spiralen hervorrufen. Dieses zentrale Motiv besitzt eine rätselhafte Anziehungskraft und lädt die Betrachter in ein Reich ein, in dem Intuition und Abstraktion ineinanderfließen. Ju Schnees kreativer Prozess ist tief in ihrer früheren Karriere als Yogalehrerin verwurzelt. Ihr Ansatz zur Kunst ist von Spiritualität durchdrungen und verwebt nahtlos Themen der Selbstreflexion, Achtsamkeit und Transzendenz in ihre Werke. Jedes Stück strahlt eine inhärente spirituelle Essenz aus und lädt die Betrachter zu einer kontemplativen Reise ein. Sie spielt gerne mit dem Gegensatz zwischen der Langsamkeit der spirituellen Erdung und dem Tempo der neuen Technologie.

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]]> 287. Ausstellung | FRESH LEGS BERLIN 2024 https://www.inselgalerie-berlin.de/287-ausstellung-fresh-legs-berlin-2024/ Wed, 05 Jun 2024 14:15:40 +0000 https://www.inselgalerie-berlin.de/?p=33216

International Exhibition FRESH LEGS BERLIN 2024
Eröffnung Galleri Heike Arndt DK: 5. Juni 19.00-22.00 Uhr
Ausstellung vom 6.6. – 1.10.2024
Eröffnung INSELGALERIE BERLIN: 6. Juni 19.00-22.00 Uhr
Ausstellung vom 7.6. – 27.7.2024

70 Künstler*innen | 29 Länder | 2 Galerien

Austellungsraum in der Inselgalerie
Galleri Heike Arndt DK

Unter dem Titel Fresh Legs BERLIN schreibt die Galerie Heike Arndt DK Berlin Friedrichshain jährlich einen internationalen OPEN CALL in allen Bereichen der Kunst aus. Auch in diesem Jahr ist die INSELGALERIE BERLIN Partner dieses OPEN CALLs und gewährleistet damit eine noch größere Bandbreite an künstlerischen Positionen als in den Vorjahren. Ausgewählte Künstlerinnen und Künstler positionieren sich in beiden Galerien zu den Herausforderungen unserer Zeit und den daraus resultierenden Fragen an die Menschheit. Die Arbeiten richten sich an ein breites Publikum und bieten Raum für Reflexion und Inspiration, können aber auch verstörend und überraschend sein. Kommen Sie vorbei und erleben Sie die Magie der Kunst.

Kezban Baskı (TR) | Nata Buachidze (GE) | Monika Buchen (GE) | Karen Chappelow (AU) | Christiane Cicéron (FR) | Anna Maria Cutolo (FR) | Josepha Dumas (FR) | Andreea Dobre (RO) | Pao Chutijirawong (TH) | Alexis Gil (USA) | Heike Gronemann (GE) | Susanna Gyalokay (GE) | Katharina Häfner (GE) | Ambre Kalene (FR) | Laura Karki (FIN) | Merav Leibküchler (GE) | Niko Mitsuko (US) | Benita Mylius (GE) | Kathleen Ousley (US) | Izabella Retkowska (PL) | Isabel Rudek (GE) | Polina Schneider (GE) | Nina Seidel (AT) | Yana Hryhorenko (UA) | Ria Siegert (GE) | Hanne Sommer (GE) | Renée Strecker (GE) | Susmar (FR) | Kassandra von Aschenbach (GE) | Anja Weingärtner (GE) | Anne Winkler (GE) | Satomi Yonezawa (JP) | Wei Zhou (CN)

Katharina Gahlert (DE) | Sebastiaan Haykens (NL) | Luca Granato (IT) | Susanne Maria Wolf (NL/DE) | SHONA (US) | Anastasiya Sakalouskaya (BY) | Pinelopi Vasilaki (GR) | Giorgio Pratolongo (IT) | Bernhard Hetzenauer (AT) | Ozgur Ozcan (TR) | Nicole Pietrantoni (US) | MI AE JO (KR) | Ute Safrin (DE) | Ralf Tekaat (DE) | Vilma Leino (FI) | Hounyeh Kim (KR) | Annette Smyth (IE) | Katarzyna Tomaszewska (PL) | Stella Arion (GB) | Lonni Wong (DE) | Casey McKee (US) | André Catarino (PT) | Gabriella Göransson (NO) | Azim F. Becker (DE) | Luanderson Santos (BR) | Teljer&Hjort (SE/NOR) | Katarina Nedeljković (RS) | Georg Bothe (DE) | Tống Khánh Hà (VN) | Alexandru Salceanu (US/RO) | Mona Hoel (NO) | Miska Mio (FI) | Stephanie Krumbholz (DE) | Benedicte Ambjerg (DK) | Naomi Middelmann (CH/US)

Sounddesign © Kai Bluhme_Music 

Hier finden Sie den kürzesten Weg von der INSELGALERIE zur Galleri Heike Arndt DK in die Voigtstraße 12

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